Музыка

Возникновение музыки

Доисторическая музыка

  Первые музыкальные звуки – это подражания человека голосам животных и птиц во время охоты. Первым доисторическим музыкальным инструментом  является флейта.
Старейшая известная песня, зафиксированная на клинописной табличке датируется 2000 г до н. э. Послушайте, как звучала мелодия, которую слушали люди почти четыре тысячелетия назад.

Подробнее

 Доисторической, или примитивной, принято обозначать устную музыкальную традицию.

   Первые музыкальные звуки – это подражания человека голосам животных и птиц во время охоты. И первый в истории музыкальный инструмент – это человеческий голос. Усилием голосовых связок человек уже тогда мог виртуозно воспроизводить звуки в широком диапазоне: от пения экзотических птиц и стрекота насекомых до рыка дикого зверя.

   Первым доисторическим музыкальным инструментом, существование которого официально подтверждают археологи, является флейта. В своей первобытной форме она представляла собой свисток. Свистовая трубочка приобрела отверстия для пальцев и стала полноценным музыкальным инструментом, который постепенно усовершенствовался до формы современной флейты. Прототипы флейты были обнаружены при раскопках в юго-западной Германии, датируемых периодом 35-40 тыс. лет до нашей эры.

  Доисторическая эра заканчивается с переходом на письменную музыкальную традицию. Старейшая известная песня, зафиксированная на клинописной табличке, была найдена на раскопках Ниппура, она датируется 2000 г до н. э. Табличка была расшифрована профессором А. Д. Килмер из Университета Беркли, также было продемонстрировано, что она сочинена терциями и использовала пифагоров строй. Данная песня представляет собой молитву бесплодной женщины к богине Никкаль, и музыка к ней исполнялось, вероятно, на лире или арфе.

  Послушайте, как звучала мелодия, которую слушали люди почти четыре тысячелетия назад. Это вариант, исполненный Майклом Леви на лире .


Музыка Древнего Египта

   Музыка Древнего Египта занимала важное место в культуре и общественной жизни страны. Вначале музыка не играла важную роль в песнях — музыканты лишь аккомпанировали певцам, на которых и было сосредоточено всё внимание. Но уже в период правления XVIII династии музыка отделилась от песен и начала свой самостоятельный путь развития.

Подробнее

  Одними из древнейших древнеегипетских музыкальных инструментов являются арфа и флейта. Флейты могли быть разных размеров: простые и, появившиеся во время правления XII династии, двойные флейты. Самые первые известные миру флейты изготовлены в период правления IV династии в Верхнем Египте, а трубы — в правление VIII династии и использовались только в армии. Боевые серебряные трубы обнаружены в гробнице Тутанхамона (KV62).

   Особо важную роль занимала духовная музыка — при её исполнении главным инструментом был систр. Совместное звучание систра и мената (считался женским музыкальным инструментом) имитировало шорох зарослей папируса при дуновении ветра

   В ударной музыке первостепенная роль принадлежала тамбурину — излюбленному музыкальному инструменту бога Беса.

   Самым древним струнным инструментом считается арфа, чьей родиной как раз и является Древний Египет. Во времена Древнего Царства на арфе обычно играли только женщины, которые аккомпанировали мужчинам-певцам.


Музыка Древнего Китая

   Жители Древнего Китая уделяли очень много внимания музыке. Они полагали, что её звуки несут в себе особую силу, способную объединять людей и гармонизировать их бытие. Через музыку можно было достичь понимания сути вещей и слияния с миром природных стихий. Считалось, что петь, танцевать и играть музыку людей научили боги, они же создали и инструменты.

Подробнее

   Однако дурная и нечистая музыка может оказывать на человека нездоровое влияние. Поэтому, считали древнекитайские философы, нужно обязательно следить за тем, чтобы вся создаваемая музыка соответствовала определённым стандартам. С этой целью при дворе императора около 120 г. до н. э. даже создали специальную Музыкальную палату. Китайская музыка выросла из культовых песен и религиозных гимнов.

   Очевидно первые традиционные мелодии зародились более 5 тысяч лет назад. Создание ладовой системы китайцы приписывали одному из придворных императора Цинь Ши-Хуанди — Лин Луню. Считается, что он же создал свирель из 12 трубок, которые он настроил таким образом, чтобы они звучали как пение фениксов. Хотя китайская гамма состоит из пяти нот, некоторые музыканты искали более сложные нотные системы. В некоторых трудах встречаются упоминания о существовании даже 360-нотной гаммы. Благодаря развитой письменности, китайские философы и музыканты сумели оставить множество трактатов на музыкальные темы и нотных записей. Поэтому сегодня не составляет труда не только сыграть многие древнекитайские песни, но и сделать это максимально аутентично.

   Древнекитайские музыканты пользовались большим количеством инструментов: ударных; смычковых; щипковых; духовых. Почти все они используются музыкантами до сих пор. Особую выразительность китайской традиционной музыке придавали многочисленные барабаны. Они могли быть самых разных размеров и изготовлены из самых разных материалов — глины, металла, древесины, тыкв, бычьего пузыря. Задачей барабанщика в древнекитайском оркестре была не только игра на собственном инструменте, но и дирижирование. Барабан был ведущим инструментом и задавал ритм для всей музыкальной композиции. Традиционную китайскую музыку также нельзя себе представить без колокольчиков. Они могли быть гулкими и громкими или едва слышными и переливчатыми. Наиболее распространённым щипковым инструментом в Древнем Китае был  цинь, напоминающий семиструнную арфу. Также в оркестрах часто присутствовал гучжэн — китайская цитра. Особого мастерства музыканта требовала игра на хуцине — разновидности скрипки всего с двумя струнами. Каждый инструмент был для китайцев не просто средством для извлечения определённых звуков, а олицетворением особых элементов бытия. Звуки множества инструментов, на которых играют в унисон, как бы воспроизводили саму Вселенную в мире музыки.


Музыка древнего Рима

 Одна из ведущих цивилизаций Древнего мира, величайшее государство Античности, получила своё название по главному городу (Roma — Рим), в свою очередь названному в честь легендарного основателя — Ромула. Музыка в Древнем Риме занимала одно из ведущих положений. Музыка сопровождала танцы, театральные представления, спортивные состязания, музыкальные состязания.

Подробнее

  В храмах священнодействия сопровождались пением хоров и игрой на музыкальных инструментах.

   На празднествах и пирах, в цир­ках и театрах выступали громадные хоровые и инструментальные ансамб­ли; римская знать считала хорошим тоном обучать музыке своих детей и содержать большие оркестры из рабов; огромным успехом пользова­лись сольные концерты виртуозов, совершавших «турне» по крупным го­родам.

  Римские жители были уверены, что артисты существуют для того, чтобы доставлять удовольствие. Со временем, когда музыка им надоела, жители стали требовать чтобы артисты дрались друг с другом.

  Поэтому музыка стала просто забавным ремеслом, не успев развиться до серьезного искусства, поэтому и рассматривалась, как ремесло презренное и недостойное свободного человека.


Позднее средневековье

   Филипп де Витри первым провоз­гла­шает, что задача музыканта — создание нового.

   Месса становится главным жанром вокальной музыки. Мартин Лютер заказывает сборник хоралов, которые может петь народ.

   Открывается первая консерватория.

Подробнее

 XIV век. Традиция новизны

   Филипп де Витри первым провоз­гла­шает, что задача музыканта — создание нового. Воспроизводить канон может и ремесленник, но лишь художник может нарушить правила так, чтобы при этом создать новые. Де Витри положил начало важнейшему принципу, который двинул музыку вперед и отслоил ее от традиционной культуры, статической или цикличе­ской. Отныне компози­тор — специалист по созданию новых правил, новой эстетики.

Месса становится главным жанром вокальной музыки

   Благодаря Гийому Дюфаи, наиболее влиятельному компози­тору XV века и основателю нидерландской школы, основой музыки эпохи Возрождения становится соединение не только неза­ви­симых, но и сходных мелодий. Эта техника много­го­лосного письма в основном используется в главном европей­ском жанре этого времени — мессе.

XVI век. Массовое распространение музыки

   Возникновение музыки и ее распространение всегда зависели друг от друга. Как и в литературе, печатный станок произвел революцию в музыке. Подобно любым медиа, нотопечатание постоянно расши­ряло сферу применения, последовательно захватывая все новые территории: без механического воспроизведения нот невозможно себе представить такие разные по своей природе музыкальные институты, как консерватория, оркестр, авторское право, оперный театр, публичный концерт.

1524 год. Мартин Лютер заказывает сборник хоралов, которые может петь народ

   Мартин Лютер и немецкий композитор и музыкальный теоретик Иоганн Вальтер создают так называемый «Виттенбергский песенник», в котором был переосмыслен жанр церковного хорала. Целью Лютера было приобщить всех прихожан к пению (в католической службе пел только хор, состоящий из монахов). За основу были взяты ритмизованные и «нарезанные» на строфы одноголосные григорианские хоралы и песенная структура, хорошо знакомая народу и удобная для запоминания.

1537 год. Открывается первая консерватория

   При церкви Санта-Мария-ди-Лорето в Неаполе открывается детский приют, воспитанников которого обучают музыке, чтобы те имели впоследствии профессию. В следующие пол­века в одном Неаполе откроется еще три таких заведения-консерватории  . Консерватории станут главной кузницей для пополнения сначала церковных хоров, а затем оперных театров.

1560-е годы. Изобретены инструменты скрипичного семейства

   Инструменты скрипичного семейства были созданы сразу целым комплектом для аккомпанемента певческим голосам и совпадали с ними по диапазону: сопрано (обычная скрип­ка), альт (инструмент получил то же название), а также тенор и бас (предки виолончели)  .

1581 год. Создан первый придворный балет

   По заказу королевы Франции Екатерины Медичи итальян­ский композитор Бальдасар Бальтазарини да Бельджозо ставит при французском дворе «Коме­дийный балет коро­левы» («Ballet comique de la Reine») — масштабный спек­такль, в котором соединены поэзия, пение и разговоры, но преобладают танцы. С этой постановки начался балет в его сегодняшнем понимании.

«Новый сладостный стиль»

   К концу XVI века главным вокальным жанром, в котором соединяются все самые современные музыкальные новации, становится мадригал, а главным автором мадригалов — итальянец Джезуальдо да Веноза. Он активно использовал хроматические звуки  , работать с которыми начал еще Вичентино , для усиления драматизма — изобра­жения аффектов (смерти, скорби, мук, убийства) и звуко­пи­си (изобра­жение бега, ветра). Эту отчетливо экспрессивную и динамичную манеру позже назовут «новый сладостный стиль».


Классическая музыка

XVII век

Первый оперный театр открылся в 1637 году в Венеции. Опера  быстро завоевала популярность. Литературные сюжеты опер делают их доступным и понятным видом музыкального искусства, поскольку её восприятие намного проще, чем традиционные концерты без сюжета.

Подробнее

Рождение оперы

   К началу XVII века главным жанром музыкального драма­тического представления была мадригальная комедия, где сложное многоголосное устройство песен не давало рас­слы­шать текст. Содружество философов-гуманистов и музыкан­тов — Флорентийская камерата — искало способы возродить жанр античной трагедии. Члены камераты композитор Якопо Пери и поэт Оттавио Ринуччини реформи­ровали мадригальную комедию таким образом, что монологи стали ариями, диалоги — речитативами, а сами мадригалы — хорами. Первыми постановками в новом жанре считаются оперы «Дафна» (1598, не сохранилась) и «Эвридика» (1600).

Переход от предметности к чувственности

   До XVII века духовная вокальная музыка не предполагала выразительности. Сегодня, слушая ее, мы испытываем эмоции, но это побочный эффект, искажение, связанное с исторической дистанцией: задачей сочинителя было построить здание композиции в буквальном смысле (недаром композиторы порой повторяли в музыке пропорциональную структуру, например собора, для которого эта музыка написана). Правильная постройка могла доставить молитву наверх единственному адресату, музыка была вертикально ориентированной. В это же время в светских вокальных жанрах (вершиной которых станет опера) появлялась горизонтальная ориентация — передача чувств от автора к слушателю. Бешеный успех оперы (в Италии середины XVII века театры возникали десятками) повлек за собой перелом: основной задачей музыки надолго, до середины ХХ века, стало выражение чувств и представление событий.

1677 год.Схема родства тональностей — первая музыкальная инфографика

   Православный выпускник Виленской иезуитской академии Николай Дилецкий пишет сначала на польском, а потом переводит на церковно­сла­вянский «Идеа грамматики муси­кийской.  В нем впервые в истории появляется изображение круга тональностей, наглядно объясняющего устройство мажоро-минорной системы, которая в то время только начинает складываться  .

1686 год.Появление инструментального концерта

   В эпоху барокко возник концерт. Его предшественник кончерто гроссо — масштабный инструментальный жанр, в котором оркестр, группы инстру­мен­тов и солирующие инструменты соревнуются, а не дублируют друг друга, усиливая звук. Прежде такое соперничество музыкальных партий существовало только в вокальной музыке .

   Первые концерты  были написаны Джованни Бонончини и Джузеппе Торелли. Наиболее популярным в этом жанре в наше время стал монах Антонио Вивальди (1678–1741), создавший более 500 инструментальных концертов.


1700-1750 годы

Ренессанс и барокко породили фантастическое разнообразие струнных, духовых и клавишных инструментов.  Возникает главный жанр инструментальной музыки — симфония.

   Иоганн Себастьян Бах (1685-1750 гг.).

Подробнее

Начало XVIII века.Изобретение фортепиано

   Итальянец Бартоломео Кристофори одним из первых усовершенствовал клавесин, основной на тот момент клавишный инструмент. Главным образом изменения коснулись способа извлечения звука: в клавесине струну защипывало перышко, а новый инструмент использовал звукоиз­вле­чение другого родственного инструмента — клавикорда, в котором по струне бьет молоточек. Это давало музыкантам принципиально иные возможности: можно было играть громко или тихо в зависимости от характера прикосновения к клавишам. Но чтобы фортепиано приоб­рело современный вид, прошло около двух веков. Оно стало универсальным инструментом, на котором можно было играть любую музыку.

Унификация звучания

   Из-за относительной слабости торговых и культурных связей различных европейских регионов сохранялось много локальных школ и традиций инструменто­строения. Кроме того, если мелодия всегда отвечала на вопрос «что играется», тембр инструмента отвечал за «как», поэтому одно и то же сочинение можно было сыграть (или спеть) совершенно разными ансамблями. По мере того как тембр становился частью композиции, тускнела и пестрота местных инструментов.

1722 год. Бах пишет «Хорошо темперированный клавир»

   В «Хорошо темперированном клавире» Иоганн Себастьян Бах решает проблему деления октавы на части (темперации), про которую композиторы и музыкальные теоре­тики думали со времен Пифагора. Но решает ее не теорети­чески, а практи­че­ски: Он пишет цикл клавирных произве­де­ний для всех 24 тонал­ьностей — 12 мажорных и 12 минор­ных. (Раньше композиторы предпочитали не сочинять про­из­ве­дения в то­наль­но­стях с большим количеством знаков — диезов или бемолей — при ключе.)

   Фактически своим произведением он декларирует: если октава делится на 12 равных полутонов, то во всех то­наль­ностях музыка будет звучать хорошо. Своим сборником Бах факти­чески узаконил новую систему темперации, актуаль­ную и в наши дни.

1740-1745 годы. Возникает главный жанр инструментальной музыки — симфония

   Принято считать, что симфония возникла из увертюры — вступления к опере. С конца XVII века итальянская увертюра сочинялась по плану: быстрый раздел — медленный — быстрый . Эти разделы, со временем ставшие самостоя­тельными, и лежат в основе симфонии. Позже к трем разде­лам добавляется еще одна музыкальная форма — менуэт. Меня­ется содержание быстрого раздела, теперь он основан на столкновении и развитии двух музыкаль­ных тем. Меняется и инструментальный состав: к струнному оркестру добавляются духовые инструменты  . 


1750-1800 годы

Вольфганг Амадей Моцарт(1756-1791гг.)

   Сотни лет, в течение которых музыка была предметом роскоши, приви­ле­гией очень немногих, закончились. Великая Французская Революция сделала музыку общедоступной.

Подробнее

1752 год. Появление дирижера

   Немецкий флейтист Иоганн Иоахим Кванц в своем трактате «Опыт наставления в игре на поперечной флейте» 1752 года впервые вводит фигуру музыкального руководителя, буду­щего дирижера. Этому посвящены главы «Что должно учи­тывать при выступлении в открытых концертах», «О каче­ствах музыкального руководителя» и некоторые другие.

   Это не значит, что коллективное исполнительство до этого момента было совсем не централизовано: как правило, группой музыкантов руководил клавесинист, размахивая свернутыми нотами или рукой, или сам композитор с батту­той — специальной палочкой, служившей для отбивания такта. Известная нам дирижерская палочка появится в Вене в начале XIX века, а из «отбивателя ритма» в «творца» дирижер превратится в середине XIX века, когда повернется к публике спиной.

1762-1774 годы. Опера снова становится театром

   За полтора столетия итальянская опера факти­че­ски превратилась в «концерт в костюмах» — после­дователь­ность номеров, почти не связанных единым сюжетом. Венский композитор Кристоф Виллибальд Глюк совместно с либреттистом Кальцабиджи снова обращается к античной драме. В опере «Орфей и Эвридика» он впервые применяет сквозное драматургическое развитие, в чем ему помогают успехи оркестровой музыки его времени, в первую очередь развитие симфонии. События стали разворачиваться не только в речитативах, но и в вокальных сценах. В самих речитативах зазвучал целый оркестр (раньше была только басовая линия). Принципы Глюка разделили не все композиторы, но опер­ный театр во всех странах, кроме Италии, стал развиваться по намеченному им пути.

Жан-Жак Руссо придумывает декламацию под музыку

   Жан-Жак Руссо одновременно с Глюком предла­гает собственную реформу музыкального театра, убирая оттуда пение. Актеры просто декламируют и играют в сопровождении оркестра, который, как и у Глюка, опреде­ляет характер действия и дает поддержку исполнителям на сцене. Мотивы были те же, что и у Глюка: драма и музыка слишком далеко разошлись. Так появляется мелодрама, первый образец которой дает сам Руссо, — «Пигмалион».

1781 год.Моцарт — первый профессиональный композитор

   Моцарт становится первым компо­зи­тором, не состоящим на служ­бе  . В 1781 году он порвал со своим патроном — архиепископом Зальц­бург­ским, уехал в Вену и стал жить отдельными заказами, а позже — и организацией «акаде­мий» (так тогда назывались симфонические концерты по подписке, чаще всего авторские). Так, в течение трех летних месяцев 1788 года он написал для такой «академии» сразу три симфонии (№ 39, 40 и 41) . К этому добавилась продажа прав на издание нот, а еще позже — всевозможная меценатская поддержка. Что, впрочем, не сделало компози­тора богатым.

   Как раз в это время Моцарт достиг высшей точки класси­чес­кого симфонизма XVIII века, оставив далеко позади своих современников.  Три последние симфонии Моцарта и по сей день исполняют чаще прочих.

Экономика музыки

   Традиционно композиторов и исполнителей обеспечивали работой монастыри, соперничавшие друг с другом просвещенные монархи и князья, церковные общины, меценаты. Прежде чем с ними начала конкурировать публика в нынешнем смысле слова, прошли сотни лет, в течение которых музыка была предметом роскоши, приви­ле­гией очень немногих. В эпоху Моцарта концертная жизнь, похожая на современную, только начинала формироваться в полуфеодальных немецкоязычных странах и Франции


1800-1850 годы

  Новый для XIX века жанр — програм­мная симфония, то есть имеющая литературную программу, появляется с легкой руки Людвига ван Бетховена (1770-1827 гг.)

  Опера становится массовым увлечением.

Подробнее

1802-1871 годы. Паганини — первый виртуоз

   Никколо Паганини, начавший как вундеркинд и продол­живший карьеру почти непрерывно гастролирующего скрипача, привлекал публику не только мастерской и точной игрой, но и загадочным, порой экзальтированным поведением. Его собственные каприсы для скрипки (сочинения свободной формы, благодаря Паганини ставшие виртуозно-изысканным жанром), ноты которых мог купить каждый исполнитель, были первым вызовом виртуоза не виртуозу.

1830 год. Появление музыки с литературным содержанием

   Новый для XIX века жанр — програм­мная симфония, то есть имеющая литературную программу, появляется с легкой руки Бетховена. Пытаясь создать что-то, что соединяло бы не только инстру­мен­тальную и вокальную музыку, но и уравнивало музыку и литературу, Бетховен вынужден закончить Девятую симфонию (1824) как ораторию: в финале солистами и хором исполняется «Ода к радости» на слова поэмы Фридриха Шиллера. Надо заметить, что более ранние сочинения с названиями (концерты Вивальди, симфонии Гайдна) опирались на живопись или в лучшем случае описательную поэзию; в них отсутствовал литера­турный нарратив. Непосредственно он появляется у Гектора Берлиоза в его «Фантасти­ческой симфонии» 1830 года: Берлиоз не использует вокал, но предлагает слушателю прочитать написанный им сопроводительный текст, состоящий из названия и краткого литературного вступле­ния к каждой части. Эти эксперименты продолжил Феликс Мендельсон. Две его увертюры — «Гебриды, или Фингалова пещера» (1832) и «Морская тишь и счастливое плавание» (1828–1834) — считаются непосредственными предше­ственниками жанра симфони­ческой поэмы, созданной Ференцем Листом. Таким образом, романтики не придумали собственной крупной формы, но перепридумали старую, наполнив ее новаторским для своего времени содержанием.

1850 год. Опера становится массовым увлечением

   1850-е годы — расцвет творчества итальянского оперного композитора Джузеппе Верди и одновременно кульми­национный пункт в развитии итальянской романтической оперы. Партитуры Верди вобрали все лучшее, что было найдено авторами первой трети века: Россини, Беллини и Доницетти уже превратили оперную рутину  ХVIII столетия в синтез романтической драмы и виртуозного пения — бельканто — за счет принципиально другого подхо­да к мелодии и фразе. Огромные речитативные эпизоды теперь пропеваются, а голоса соревнуются с соли­рую­щими инструментами оркестра. Но именно Верди окончательно доводит их дело до конца, пронизывая свои оперы сильнейшим драматургическим стержнем, изыскан­ной оркестровкой и мелодиями уникальной красоты и простоты одновременно — вплоть до того, что они стано­вились подлинными шлягерами в современном понимании, а то и гимнами национального возрождения  .

   Только с одним обстоятельством Верди не удавалось бороть­ся долгое время — это плохие либретто. Над либретто одной из самых популярных опер Верди «Трубадур» (1853) трудились несколько либреттистов, ни один из которых толком не закончил своей работы, поэтому в подробностях сюжета существует масса нестыковок. Но одновременно эта особенность «Трубадура» и делает его уникальной оперой: при правильно выстроенной музыкальной драматургии и эффектной мелодической основе сюжет уже перестает быть важным.


1850-1950 годы

   Рихард Вагнер (1813-1883 гг.)

   Вагнер воплощает в жизнь мечту романтиков о «тотальном театре» : он придумывает музыкальную драму — оперу со сквозным сюжетным и симфоническим развитием.

   Петр Ильич Чайковский (1840-1893 гг.)

На рубеже веков  музыкальная традиция вступила в стадию позднего романтизма. После Первой мировой войны многие композиторы обращались к музыке прошлого за вдохновением, заимствуя из неё многие элементы: форму, гармонию, мелодию.

Подробнее

Оперная реформа Вагнера

   Вагнер воплощает в жизнь мечту романтиков о «тотальном театре» : он придумывает музыкальную драму — оперу со сквозным сюжетным и симфоническим развитием и с системой лейтмотивов (собственных мелодий каждого героя). До Вагнера такое было возможно в симфониях, но не в операх, делившихся на отдельные номера — арии, дуэты, хоры и речитативы. Вагнер первым использовал в опере симфонический синтаксис, то есть музыка перестала быть подчинена тексту, теперь они равноправны. Вагнеровские принципы стали основными для оперы второй половины XIX века.

Театральная реформа Вагнера

   В 1872 году король Людвиг Баварский (1845–1886) выделяет деньги на постройку оперного театра в Байройте для своего кумира Рихарда Вагнера, который как раз заканчивает в этом году свою колоссальную тетралогию — «Кольцо нибелунга». Строительство не раз останавливалось из-за нехватки средств, но в постройку вкладывалось и молодое немецкое правительство, и даже османский султан Абдулазиз. Уже через четыре года театр, не имевший аналогов в Европе, был готов, и с 13 по 17 августа 1876 года состоялась премьера «Кольца», мистерии, в которой Вагнер подменяет греческий миф германским.

   Вагнер полностью перепридумал устройство театра. Огром­ный оркестр спрятан под сценой, это не только обеспечивает наилучший звуковой баланс между солистами и остальными музыкантами, но и не дает зрителям разглядывать орке­стран­тов. В зале нет ни балконов, ни галерей, есть только ложи и длинные ряды партера; на представление нельзя опаздывать и мешать себе и другим зрителям погру­жаться в действо — все внимание должно быть сосредоточено на происходящем. Фестивальный театр в Байройте — это первый «храм музыки», сакральное место, куда съезжаются паломники, придающие музыкальному действу значение религиозного ритуала. Байройтский театр до сих пор исполняет только оперы Вагнера.

Мода на русскую музыку

   В 1875 году в Бостоне впервые исполняется Первый форте­пианный концерт Чайковского. В Москве самый виртуозный пианист своего времени Николай Рубинштейн, патрон и покро­витель Чайковского, увидев еще не допи­санную партитуру, по непонятным причинам отказался его исполнять. Для  России 1870-х годов эта музыка была слишком новаторской, публика ждала «национального, реалистического искусства» в духе Милия Балакирева и «Могучей кучки». Концерт Чайковского, стоя в одном ряду с концертами Брамса и Листа, требовал высочайшего уровня исполнения. В результате первым его сыграл немец Ганс фон Бюлов.

   На рубеже XIX и XX веков европейская музыкальная традиция вступила в стадию позднего романтизма. Такие композиторы, как Густав Малер, Рихард Штраус и Ян Сибелиус в своих симфонических произведениях всё дальше отодвигали границы пост-романтизма, а во Франции в то же время развивался музыкальный импрессионизм, ярчайшими представителями которого были Клод Дебюсси  и Морис Равель .

   Постромантизм и импрессионизм заставили  многих композиторов искать новые средства самовыражения и привели к развитию музыки в неожиданных направлениях. Но единственным по-настоящему существенным нововведением, получившим широкое распространение в XX веке, стал отказ от традиционной тональности. В 1900-е годы многие композиторы предложили свои варианты ухода от классики, что породило беспрецедентное разнообразие стилей, техник и выразительных средств. В Вене Арнольд Шёнберг открыл атональную музыку, которая стала проявлением экспрессионизма, пришедшего в европейское искусство начала XX века на смену импрессионизму. Позднее Шёнберг изобрёл додекафонию, которую в дальнейшем развивали его ученики: Альбан Берг и Антон Веберн.

   После Первой мировой войны многие композиторы обращались к музыке прошлого за вдохновением, заимствуя из неё многие элементы: форму, гармонию, мелодию, структуру. Этот стиль музыкальных произведений получил наименование «неоклассицизм». Неоклассические произведения встречаются у таких авторов, как Игорь Стравинский («Пульчинелла», «Симфония псалмов»), Сергей Прокофьев («Классическая симфония»), Морис Равель («Гробница Куперена») и Пауль Хиндемит («Художник Матис»).

   Итальянские композиторы, такие как Франческо Балилла Прателла и Луиджи Руссоло, обратились к музыкальному футуризму. Этот стиль предполагал использование повседневного звука в футуристическом контексте. Из этого направления выросла конструктивистская «музыка машин», представленная в произведениях Джорджа Антейла (начиная со Сонаты № 2 «Аэроплан») и Александра Мосолова (в первую очередь, «Музыка машин»). Расширение доступного музыкального словаря происходило также за счёт использования всех доступных тонов в виде микротоновой музыки, использующей интервалы менее полутона. Произведения в этой технике писали Чарлз Айвз, Хулиан Каррильо, Алоис Хаба, Джон Фоулдз, Иван Вышнеградский, Милдред Купер.

   В 1940-е и 1950-е годы композиторы, наиболее известным среди которых был Пьер Шеффер, стали привлекать новые технологические достижения. Так появилась конкретная музыка.


Современная музыка

Джаз

  Джаз развивался в Новом Орлеане в первые десятилетия ХХ века. Белые американцы были абсолютно невосприимчивы к блюзу, а вот джаз они подхватили мгновенно. Это была жизнерадостная танцевальная музыка, точно соответствовавшая темпу жизни, который начал резко ускоряться после Первой мировой войны.

Подробнее

   В конце 19 в. в сельских районах Юга США появился блюз, который вскоре стал самой популярной музыкой черного населения страны. Как у настоящего джаза, доступного лишь узкому кругу знатоков, так и у рока, на всех углах заявляющего о своей демократичности, общие предки, такие, как, например, блюз. Не темп определяет «блюзовость» музыкального произведения, а совершенно определенные ритмические и гармонические структуры, а также щемяще-печальное настроение. Одно из значений слова «blue» — «печальный». Основной блюзовый инструмент — гитара — впоследствии занял доминирующее положение и в роке.

   Джаз развивался в Новом Орлеане в первые десятилетия 20 в., и вскоре затмил по популярности рэгтайм. Белые американцы были абсолютно невосприимчивы к блюзу, а вот джаз они подхватили мгновенно. Это была жизнерадостная танцевальная музыка, точно соответствовавшая темпу жизни, который начал резко ускоряться после Первой мировой войны. Изначально джаз возник как синтез блюза и регтайма, а его главной отличительной особенностью всегда считалась импровизация исполнения.

   В 20-е годы случилось важное событие для джазовой культуры – родился свинг. Если обобщать, то это битовая пульсация, придающая музыке удивительную ритмичность и живость. Классиками свинга являются Луи Армстронг, Дюк Эллингтон, Каунт Бейси, а также белые исполнители – Бикс Бейдербек, Бенни Гудмен и др. В 1930-е свинг становится самой популярной музыкой в мире на тот период.

   Среди множества потрясающих исполнителей джаза 40-х стоит выделить как минимум одного. Гленн Миллер и его оркестр стали одним из символов музыкальной культуры США довоенного периода. Его видение джаза до сих пор считается исключительным, а композиции Оркестра Гленна Миллера заслуженно названы классикой свинга.


50-е. Рок-н-ролл

   С окончанием Второй мировой музыкальный мир США буквально взрывается разнообразием жанров, из которых, прежде всего, необходимо выделить рок-н-ролл.  Говоря о рок-н-ролле 50-х годов, мы  говорим о двух иконах этой культуры: Чаке Берри и короле рок-н-ролла Элвисе Пресли.

Подробнее

   Название rock and roll происходит из строчки песни Генри Алена «Get Rhythm in Your Feet and Music in Your Soul»: «If satan starts to hound you, commence to rock and roll. Get rhythm in your feet…» Что в принципе, отражает настроении музыки – быстрое, энергичное. Говоря о рок-н-ролле 50-х годов, мы автоматически говорим о как минимум двух иконах этой культуры: Чаке Берри и короле рок-н-ролла Элвисе Пресли. Эти два музыканта – настоящие иконы музыки. Сложно переоценить их влияние на музыкальную культуру США, а уж про рок-н-ролл и говорить не приходится.

   Началом эпохи рок-н-ролла (rock»n»roll) считается 1955, когда вышла пластинка Рок круглые сутки (Rock Around the Clock) Била Хейли и его группы Кометс, хотя и до этого, с начала 50-х гг. его группа успела выпустить несколько дисков, ставших впоследствии классикой рок-н-ролла. Билл Хейли был белым музыкантом, как и Элвис Пресли, и Джерри ли Льюис и Бадди Холли, культовые фигуры рок-н-ролла. Белой публике было привычнее слышать и видеть своих «белых парней», хотя мода на рок-н-ролл позволила прорваться в большой шоу-бизнес и тем черным ритм-н-блюзовым исполнителям, которые, собственно, и сформировали этот сверхпопулярный стиль: Литттл Ричарду, Чаку Берри, Бо Дидли и Фэтсу Домино.

   Элвис Пресли стал первой настоящей суперзвездой рок-н-ролла, образцом для подражания для миллионов подростков. В Великобритании аналогом такого рок-героя стал Томми Стил, а во Франции – Джонни Холлидей.


60-е. Британское «вторжение»

  Англичане оказались очень восприимчивыми к американской и афроамериканской музыке: рок-н-роллу, ритм-н-блюзу и блюзу. Следствием этого явилось «британское вторжение» во главе которого стояли Битлз (The Beatles) и Роллинг стоунз (Rolling Stones).

Подробнее

   Во главе этого вторжения стояли Битлз (The Beatles) и Роллинг стоунз (Rolling Stones). Последние настаивали на том, что они играют именно ритм-н-блюз, а не рок-н-ролл. Во «вторжении» участвовали и такие великие группы, как Ху (The Who), Кинкс (The Kinks), Энималз (Animals) и многие другие. Скоро их музыка вышла за рамки простого рок-н-ролла, и термин сократили до одного слова «рок».

   Чистенькие и аккуратненькие британские бит-группы черпали свое вдохновение в «белом» рок-н-ролле и английской разновидности кантри, именуемой «скиффл».

   Навстречу им из Мемфиса выплеснулся поток резкого, «грязного» соула. Десятилетие двигалось к своей кульминации, нарастал накал расовых столкновений, и музыка соул — вместе с такими гигантами джаза, как Майлз Дэвис, Джон Колтрейн, Чарльз Мингус — вышла в авангард этой борьбы, гордая мощь негритянского самосознания воплотилась в ней в полной мере. Но, может быть, главной победой того времени стало слияние двух культур: белой и черной. Это был яркий, праздничный, слегка сумасбродный союз, для которого, казалось, ничего не осталось невозможного. В новой музыке воплотилась мечта о единении и равенстве, гармонии и терпимости.

   Во второй половине десятилетия на рок обрушились беды: «Битлз» объявили об окончательном прекращении концертной деятельности, в 1967 году за хранение наркотиков были арестованы Мик Джаггер, Кейт Ричардс, Брайн Джонс — члены группы «Роллинг Стоунз».

   Но зато в Сан-францисском районе Хейт-Эшбери начало оживать нечто утопическое: здесь, на фундаменте религиозной эклектики, вырастала своеобразная рок-коммуна. Расцветавшую идею Всемирной Любви провозгласили опять-таки «Битлз», после почти годового молчания выпустившие «Клуб одиноких сердец сержанта Пеппера». Психоделическую и авангардную эстетику, которой был, проникнут альбом, изобрели, разумеется, не они — они лишь выделили в чистом виде квинтэссенцию всего, к чему стремились другие, а в результате — вновь безошибочно выразили овладевшее молодым миром стремление к независимости, к собственным ценностям и идеалам. «Сержант Пеппер» определил суть новой музыкальной эры, он доказал, что рок стал искусством, а искусство, в свою очередь, — основной формой общения масс; он наконец внедрил в бесконечно бунтующий, беспокойный мир рок мечту о любви и духовном единстве.


70-е. Хард-рок и хэви метал

Одним из достижений 70-х является появление хард-рока. В хард-роке можно увидеть и классическую музыку, и  черный блюз, и рок-н-ролл, одновременно с этим хард-рок привнес в музыку множество новшеств.  В середине 70-х начинается зарождатся новый стиль рок-музыки — хэви метал. 

Подробнее

   В начале 70-х наблюдается кризис рок-сцены. Рок становится все более коммерческой музыкой, происходит полный отход от духовных корней рока, рожденного и созданного для бунта. К середине 70-х назрела необходимость в появлении чего-то нового — бунтующего и протестующего. Этим чем-то стал панк.

   Прежде всего привлекало то, что панк был диким, злобным, но все же свежим ветром. Казалось, все уже перепробовано, впереди у музыки только повторение пройденного, и панки восхищали как последний буйный, скандальный, но честный праздник уходящего рок-н-ролла. По сути весь панк оказался стилем одной группы. «Sex Pistols» принесли ему популярность, они же исчерпали все его возможности.

   Одним из достижений 70-х является появление хард-рока. Как самостоятельное направление хард-рок выделился в  конце 60-х годов, и благодаря тому, что в законченном виде его донес до слушателя  выдающийся гитарист Джимми Хендрикс, хард-рок с тех пор предполагает исполнение  виртуозными  инструменталистами, что  пошло  только на пользу и музыке, и ее поклонникам.

   Хард-рок, так же как и в свое время рок-н-ролл, был резок и агрессивен, но в отличие от панка он предполагает хорошее владение инструментами, и в нем агрессивность присутвует не как тупая озлобленность на все и вся, а как выражения отвращения к темным сторонам человека. Естественно, хард-рок не был чем-то совершенно новым, он лишь вобрал в себя самые яркие и выразительные черты других направлений, в хард-роке можно увидеть и классическую музыку, и  черный блюз, и рок-н-ролл, одновременно с этим хард-рок привнес в музыку множество новшеств. Исполнители хард-рока в текстах песен стали изучать темные уголки человеческой души, поднимать философские тематики, отражать оккультные знания, рассматривать христианство и сатанизм. Хард-рок стал первым музыкальным направлением, использующим тяжелое звучание, которое достигается за счет подключения к гитаре такого эффекта, как Distortion, и за счет выделения  ритм-секции.

   У истоков хард-рока стояли такие всемирно известные группы, как «Deep Purple», «Black Sabbath» и «Led Zeppelin».

.  Для миллионов слушателей «крестным отцом» жанра — если не  строго хронологически, то духовно — стал ансамбль «Deep Purple» В почерке коллектива появилось все, что потом использовали другие металлические группы  —  громкость,   как  эстетическая  составная,  простые  риффы-гитары  и бас-гитары, часто играемые в унисон, характерный вокал, мощный мотор ударных. Что отличает «Deep Purple» от своих последователей, так это  готовность постоянно впитывать новое,  что появляется в других  жанрах,  открытость другим музыкальным влияниям. Ни «Deep Purple»,  ни «Led Zeppelin»,  ни «Black Sabbath» также стоящие у идейных истоков хэви метал  замкнутостью не отличались.  Может быть,  именно поэтому многое в их музыке интересно и сегодня.

   В середине 70-х начинается зарождатся новый стиль рок-музыки — хэви метал. Логически он продолжает идеи хард-рока, выделив из музыки хард-роковых  групп  исключительно мощные  гитарные  риффы, доведенные до  виртуозности  соло и канонадные ударные. Толчком к появлению хэви-метал послужило творчество группы «Black Sabbath». «Black Sabbath», в отличие от других хард-роковых групп достигли более тяжелого звучания. Полностью были  исключены  клавишные, исчезли фольклорные напевы, никаких любовных песенок,  никакой ориентации на шлягеры, способные войти в хит-парады. Ужасы и оккультная тематика песен стали визитной карточкой «Black Sabbath»,  которые стали неожиданно очень популярными среди студенческой молодежи.

   Группа «Iron Maiden»,  один из грандов хэви-метала, именно она сделала хэви-метал популярным  среди молодежи движением. Группа образовалась в 1977 году в Великобритании. Наряду  с  некоторыми  другими группами «Iron Maiden» представляла собой так называемую «новую волну английского хэви-метала». Взяв за модель звучание таких групп  начала 70-х,  как «Led Zeppelin» и «Black Sabbath», «Iron Maiden» в короткое время нашла свою  музыкальную  стилистику,  ставшую,  в  свою очередь ориентиром  для  других групп.


80-е. Пост-панк и трэш метал

Обозначился конец длившейся больше двадцати лет эры Классического рок-н-ролла.  В Лондоне одновременно возникают две группы — «Кьюэ» и « Depeshe Mode » работающие в новом стиле пост-панк.  В начале 80-х в «тяжелом» стиле начинает зарождаться новая музыка — трэш метал. Одним из первопроходцев этого стиля по  праву считается «Metallica».

Подробнее

 Обозначился конец длившейся больше двадцати лет эры Классического рок-н-ролла. Далее начиналась новая эра.

   В Лондоне одновременно начинали две группы — «Кьюэ» и « Depeshe Mode ».

   Музыку, пришедшую на смену, назвали пост-панком, хотя правильнее было бы пост-роком. Выросшая где-то внутри рока, она произошла не от негритянских ритм-энд-блюзов, а скорее от белой классики. В середине восьмидесятых в фазу расцвета вступили «Кьюэ». Переболев шлягерами, они теперь отдавали предпочтение инструментальным пьесам с минимумом текста и детально проработанной аранжировкой.

   Возможности чисто электронного творчества, которое для себя избрали соперники и соратники «Кьюэ», «Depeshe Mode», привлекали к себе музыкантов еще 60-х. Но вся сложность состояла в написании запоминающихся мелодий. И «Депеш Мод» это удалось. Журнал «Рекорд миррор» в 1984 году назвал группу «супергруппой международного состава».

   Дублинские группы, заявившие о себе в середине 80-х, на рок-н-ролльную гитарную основу наложили отпечаток ирландских народных баллад. Успех так впечатлил, что уже стали говорить о ирландском вторжении. Первыми и громче всех заявили о себе «U2». Постепенно совершенствуя технику игры, они записали три альбома и стали довольно известными на родине. Пост-панк достиг своей вершины, потрясенная Америка наградила «U2» титулом лучшей группы 80-х.

  В тяжелой музыке дела складывались как нельзя лучше и она завоевывала все новые рубежы. с момента появления хэви-метал она стала так называемым «андеграундом», т.е. подпольной музыкой, предназначенной не для всех.

   В начале 80-х начинает зарождаться новая музыка — трэш метал. Трэш вобрал в себя панк-рок и хэви метал, вобравши в себя жесткость, скорость первого и мелодичность второго. Трэш стал самым тяжелым направлением музыки, в основном это было достигнуто за счет доведения скорости игры до физического предела, максимальным искажением звука гитары (благодаря все тому же эффекту Distortion) и максимальным убыстрением ритм-секции, которая стала походить на кононаду, за счет введения второй басовой бочки. Трэш возник в Америке, и восновном как альтернатива начинающему становиться помпезным хэви-металу. Родителями трэша принято считать такие группы, как «Metallica», «Slayer», «Celtic Frost». Трэш группы запели о насущных проблемых — о ядерной угрозе, политической нестабильности, протест наркотикам, абортам, самоубийствам, исторических ошибках человечества и вообще что же есть такое человек.

   Одним из первопроходцев этого стиля по  праву считается «Metallica». Ее  феномен заключается в  том,  что  без «сорокапяток» и  эффектных видеосюжетов, выходя на сцену без грима, без трансляции композиций по радио и телевидению,  под аккомпанемент насмешек солидной  музыкальной  прессы,  группа  не только встала во главе нового тяжелого андерграунда, но и приобрела репутацию супергруппы вне его. «Metallica» играет «рафинированный металл», свободный даже от «наследственных  примесей»  —  ритмическое  богатство композиций, предельная лаконичность музыкальных тем, скрытая динамика аранжировок мгновенно выделяют группу среди  множества  подобных, взявших за  основу  внешние  признаки  «металликовского» «металла».

   Несмотря на некоторые стилические тяготения к «Black Sabbath» и «Led Zeppelin», композиции «Meталлики»  выглядят более «сухими. В  целом  музыка  группы  «Metallica» гораздо более сложная, чем что-либо когда-то бывшее в роке.


90-е. Гранж и панк

  Рок 90-х можно охарактиризовать одним направлением и одной группой — гранж и «Nirvana». Устав от долгого засилия поп-рока, молодежь обратилась к буйному гранжу. Гранж отличает вызывающее поведение и скорость игры панк-рока и присутствие несложных мелодий поп-рока.

Подробнее

   Формироваться гранж начал  в конце 80-х ( хотя еше в конце 70-х группа «The Go-Go’s» преподносила публике нечто похожее), его родителями были «Nirvana», «Pearl Jam», «Soundgarden». Хотя «Pearl Jam» и «Soundgarden» играли намного лучше чем «Nirvana», молодежь приняла именно последнюю за их вызывающую зажигательность. Практически «Nirvana» держалась за счет своего лидера Курта Кобейна. Несмотря на то, что мастерство исполнителей оставляло желать лучшего, в песнях Кобейна было нечто, что просто не могло не притягиваиь людец к этой музыке. После трагической гибели Курта Кобейна группа распалась, но их музыка звучит до сих пор. После распада группы «Nirvana», возрос интерес к техничному и профессиональному гранжу, получили известность такие группы  «Pearl Jam» и «Soundgarden», которые в корне отличаются от «Nirvana». Эти группы владеют инструментами и их творческий потенциал не исчерпывается простенькими мелодиями, к тому же в их тектсах поднимается серьезная проблематика окружающего мира.

    Рок-культура тех лет нельзя представить без  панк-рока. «Blink 182», «Green Day», «The Offspring» — эти группы и по сей день остаются невероятно популярными.

   Что же ждет рок в будущем ? Если посмотреть на его повторяющуюся историю, то можно с уверенностью сказать, что впереди у рока новые буйства и протесты, новые взлеты творчества и эксперименты по скрещиванию музыки разных направлений, подчас противоположных. Рок не стоит на месте, он постоянно развивается. Отвергая прошлое и одновременно вбирая в себя самое интересное и выразительное прошлого будут появляться новые направления, новые группы, новые движения. И так же постоянно будет конфликт детей и отцов, отцы будут запрещать детям слушать эту «бесовскую», «грязную» музыку, а дети назло родителям будут ее слушать.

Подписаться
Уведомить о
guest
0 комментариев
Старые
Новые Популярные
Межтекстовые Отзывы
Посмотреть все комментарии