Доисторическая живопись
Пещерные жители были первыми художниками. Ранние люди рисовали диких животных, которых они видели вокруг. Пещерные художники заполняли стены пещеры рисунками в богатых ярких тонах. Ещё 30 000 лет назад люди изобрели основные инструменты и материалы для живописи. Эта первая живопись характерна лёгкостью проработки объёмов и отсутствием общего смыслового и схематического единства.
Цветные рисунки животных, датируемые от 30 000 до 10 000 лет до нашей эры, были найдены на стенах пещер на юге Франции и в Испании. Многие из этих рисунков удивительно хорошо сохранились, потому что пещеры были запечатаны на протяжении многих веков. Ранние люди рисовали диких животных, которых они видели вокруг. Очень грубые человеческие фигуры, сделанные в жизненных позициях, были найдены в Африке и на востоке Испании.
В качестве инструмента использовались пальцы и ладони художника, расщеплённые веточки и куски меха и кожи. Изображения носят как силуэтный характер, так и линейное начало. Некоторые из самых красивых картин находятся в пещере Альтамира, в Испании. Одна деталь показывает раненного бизона, больше не способного стоять – вероятно, жертву охотника. Он окрашен в красновато-коричневый цвет и очерчен просто, но умело, чёрным. Пигменты, которые использовали пещерные художники – охра (оксиды железа, различающиеся по цвету от светло-желтого до темно-оранжевого) и марганец (тёмный металл). Они измельчались в мелкий порошок, смешивались со смазкой (возможно, с жирным маслом), и наносились на поверхность какой-то щёткой. Иногда пигменты приобретали форму палочек, похожих на мелки. Жир, смешанный с порошкообразными пигментами, делал лакокрасочную жидкость, а частицы пигмента склеивались. Жители пещеры делали щётки из животных волосков или растений, а острые инструменты из кремния (для рисования и царапин). Методы и материалы были усовершенствованы и улучшены в последующие столетия. Но открытия пещерного жителя остаются основными для живописи.
Древнеегипетская живопись
Египетская живопись тесно связана с заупокойным культом, поэтому большое распространение получила монументальная живопись и декоративная живопись. Живопись Древнего Египта подчинена строгому канону: условно схематическое, тщательно выверенное и подчинённое чётким правилам изображение человека.
Одна из первых цивилизаций появилась в Египте. Из письменных записей и искусства, оставленного египтянами, известно многое об их жизни. Они считали, что тело должно быть сохранено, чтобы душа могла жить после смерти. Великие пирамиды были сложными гробницами для богатых и могущественных египетских правителей. Многое в египетском искусстве было создано для пирамид и гробниц царей и других важных людей. Чтобы быть абсолютно уверенным, что душа будет продолжать существовать, художники создавали изображения мёртвого человека в камне. Они также воспроизводили сцены из жизни человека в настенных росписях в погребальных камерах. Египетская техника изобразительного искусства оставалась неизменной на протяжении веков.
Основная задача живописи — повествовательная (описание событий). Особое расположение элементов композиции, соразмерности фигур персонажей, сочетание изображения с иероглифическим письмом — всё это основано на подчинении социальной иерархии, особенностям мифологии, мировоззрению Древних Египтян. Одновременно с этим, художники с берегов Нила демонстрируют необыкновенную наблюдательность, смелость цветовых сочетаний и красоту деталей в своих произведениях.
В начале (в мемфисском периоде), под влиянием народного представления о загробной жизни, скульптура выказывала решительную наклонность к реализму, но потом застыла в условных, однажды установившихся формах, почти не подвергавшихся изменению до самого падения египетского царства.Основные выразительные средства живописи этого периода: линия (контур) и цветовое пятно. Стены зданий покрывались раскрашенными рельефами со сценами важных исторических, военных и религиозных событий. Способ исполнения этих рельефов был особенный: фигуры в них либо незначительно выступали на углубленном фоне, либо, наоборот, уходили немного вглубь фона. Отсутствие перспективы, условность композиции и рисунка и другие недостатки не мешают этим изображениям быть до мелочей обстоятельным повествованием о быте, верованиях и истории народа.
Живопись Месопотамии
Древняя живопись Месопотамии чаще всего наносилась на стены храмов, чтобы украсить убогий вид необожженного кирпича. Рисунки могли изображать фигуры животных и людей, которые сочетались с орнаментальными мотивами.
До нашего времени сохранились лишь некоторые фрагменты живописи Месопотамии, которые относятся к восемнадцатому столетию до нашей эры. Как правило, такая древняя живопись воспроизводит военные, мифологические и религиозные темы. Все рисунки этого периода сохраняли определенную приверженность жестким традиционным установкам, но все же постепенно начали появляться новые, более изысканные декоративные элементы, такие как, например, элементы растительного, семитского и эгейского происхождения. Фрески начали делиться на панели, которые были отмечены цветными полосками с несколькими центральными сценами. Как правило, верхняя часть картины изображала богиню Иштар, которая держала в руках царское облачение, чтобы вручить его монарху. В нижней части древней живописи Месопотамии изображали две богини, державшие в руках родниковые сосуды. Широко распространенными были так же картины, изображающие шествия жрецов, которые вели быков для жертвоприношения. Эта древняя живопись чаще всего была выполнена в цвете охры, а фигуры имели большую живость и экспрессивность, которая создавала удачный контраст с неподвижной росписью. Если говорить об ассирийских дворцах, то там чаще всего встречаются декоративные росписи.
Живопись древней Индии
Ранней индийской живописью можно считать наскальные рисунки первобытного времени. Петроглифы были общими для всех родовых племён и рисовались в дверных проёмах, а также в помещениях, где проживали гости. Пещерная живопись из Ajanta, Bagh, Эллоры и Sittanavasal, а также храмовая живопись, свидетельствуют о любви к натурализму.
Искусство на берегах Инда стояло в непосредственной связи с зодчеством: таинственность, мистичность, нашедшие себе выражение в топах, пещерных храмах и пагодах, ещё яснее проявились в пластических олицетворениях богов и изображениях их символических подвигов, изваянных рельефом на столбах при карнизах и в нишах этих святилищ. Но понятия об индийских божествах возникли не из ясных, чисто человеческих представлений, а из мечтательных и фантастических.
Наиболее ранняя и средневековая живопись в Индии — индуистская, буддистская, джайнистская. Ранголи по-прежнему остаётся наиболее популярным способом нанесения орнамента, его очень часто можно встретить на порогах многих индийских домов, особенно, в Южной Индии. Раджа Равви Варма — один из классических художников средневековой индийской живописи.
Живопись древнего Китая
Живопись Древнего Китая появилась и начала прогрессировать в VIII веке до н. э. В древности картины имели вид шелковых или бумажных полотен, размер которых мог достигать нескольких метров. Китайцы обращают внимание не только на видимую сторону картин, но и на их внутреннюю силу и характер.
Согласно данным археологических раскопок, живопись Древнего Китая появилась и начала прогрессировать во времена Сражающихся царств. В ходе раскопок были обнаружены изображения на шелке. А вот основные жанры оформились уже в 8 веке н. э. Так как Китай — крупное государство, многие стили развивались отдельно друг от друга. Мастер Гу Кайчжи, живший в 4 веке н. э., сформулировал основные законы, которые отличали хорошие работы.
Вокруг этого свода правил, классическая китайская живопись будет эволюционировать долгие годы, видоизменяясь в различные исторические периоды. В период власти династий Тан и Сун был расцвет изобразительного искусства. Тогда было создано множество эталонных произведений, на которые ориентировались последующие поколения. В эпоху Сун была распространена пейзажная живопись. В правление династий Цинь и Хань эволюционировала живопись по сырой штукатурке. Прогресс храмовой живописи был во время правления династий Вэй и Цзинь. В эпоху Мин часто передавали образы растений и животных. Изображения имели символический характер. Тогда же произошел скачок в развитии живописи фигур, начали изображать обнаженную натуру. В древности картины имели вид шелковых или бумажных полотен, размер которых мог достигать нескольких метров. Их скручивали вокруг деревянного валика, который складывали в предназначенный для него футляр. Китайские художники большей частью использовали игру линий. Есть две манеры письма: гунби и сеи. Гунби — это так называемая «тщательная кисть», когда детали прорисовываются четко. Интерьеры покоев императорских семей разрисовывались именно в этом стиле. Сеи наоборот рисуется грубой кистью. Задача тут — передать идею. Художник творит под влиянием настроения. Произведениям присущи широкие мазки. Поначалу преобладал стиль гунби, потом стал распространяться стиль сеи. Классическая живопись Китая развивалась на протяжении многих тысячелетий, сохраняя старые традиции. Она продолжает приковывать внимание почитателей и коллекционеров до сих пор.
К середине 1-го тысячелетия до н. э. формы бронзовых сосудов становятся более простыми. Рельефные узоры заменяются инкрустацией. В орнаменте — жанровые сцены (охота, жатва), сцены ритуальных обрядов.
Античная живопись
Греческие художники, в своих попытках изобразить реальную действительность, разрабатывают и используют в росписях стен приёмы свето-тени и псевдоперспективы (линейной и воздушной), так называемая “рыбья кость”. Сюжеты античной живописи весьма разнообразны, что положило начало основным жанрам: пейзаж, натюрморт, портрет, бытовой и исторический сюжет.
Древние греки украшали стены храмов и дворцов фресками. Из древних литературных источников и из римских копий греческого искусства можно сказать, что греки рисовали маленькие картины и делали мозаики. Известны имена греческих мастеров и немного из их жизни и работ, хотя очень мало греческой живописи пережило века и последствия войн. Греки не писали в гробницах, поэтому их работы не были защищены.
Окрашенные вазы – это всё, что сохранилось от греческой живописи сегодня. Изготовление керамики было большой отраслью в Греции, особенно в Афинах. Контейнеры пользовались большим спросом, поставлялись на экспорт, так же как масло и мёд, и для бытовых целей. Вазы были украшены и человеческими фигурами в коричневой глазури на светлой глине. К VI веку вазочные художники часто рисовали чёрные человеческие фигуры на естественной красной глине. Детали были вырезаны на глине острым инструментом. Это позволило красному проявиться в глубинах рельефа.
Красно фигурный стиль в конечном итоге заменил чёрный. Т. е. наоборот: фигуры красные, а чёрным стал фон. Преимущество этого стиля заключалось в том, что художник мог использовать кисть для создания контуров. Щётка даёт более свободную линию, чем металлический инструмент, используемый в чёрных фигурных вазах.
В 79 году нашей эры два города были полностью погребены извержением вулкана Везувий. Археологи, которые раскопали этот район, смогли много узнать о древнеримской жизни из этих городов. Римские живописцы тщательно готовили поверхность стены, нанося смесь из мраморной пыли и штукатурки. Они полировали поверхности до качества мраморного покрытия. Многие из картин являются копиями греческих картин IV века до н.э. Изящные позы фигур, написанных на стенах Виллы Мистерий в Помпеях, вдохновили художников XVIII века, когда город был раскопан.
Фрески древних греков, глянцевые на поверхности, основываются на методе живописи по многослойной штукатурке с добавлением мраморной пудры на верхнем слое.
Греки и римляне также писали портреты. Небольшое количество из них, в основном портреты мумий, выполненные в греческом стиле египетскими художниками, сохранились вокруг Александрии, на севере Египта. Основанная в IV веке до нашей эры Александром Великим из Греции, Александрия, стала ведущим центром греческой и римской культуры. Портреты писались в технике энкаустики по дереву и устанавливались в виде мумии после смерти изображённого человека. Энкаустические картины, сделанные в краске, смешанной с расплавленным пчелиным воском, хранятся очень долго. Действительно, эти портреты всё ещё выглядят свежими, хотя они были сделаны ещё во втором веке до нашей эры.
Средневековая живопись
Сюжеты средневековой живописи носят религиозный характер, иногда разбавляются историческими иллюстрациями. Особые черты, присущие искусству этой эпохи — чёткий, строгий силуэт, условность фона, отсутствие глубины изображения, условность живописно-графических приёмов и изображаемых мотивов.
Ранние христиане и византийские художники продолжили технику мозаики, о которой они узнали от греков. Маленькие плоские кусочки цветного стекла или камня устанавливались на влажный цемент или штукатурку. Иногда использовались другие твёрдые материалы, такие как кусочки испечённой глины или скорлупа. В итальянской мозаике цвета особенно глубоки и полны.
Мозаики византийских художников часто были ещё менее реалистичными и ещё более декоративными, чем мотивы ранних христиан. Византийские художники также использовали золото на фресках и панелях. Золото и другие драгоценные материалы использовались в средние века, чтобы отделить духовные предметы от повседневного мира.
Первая часть средневековья, примерно с VI по XI века нашей эры, обычно называют Тёмными. В это время искусство хранилось в основном в монастырях. В V веке н.э. варварские племена из Северной и Центральной Европы бродили по континенту. В течение сотен лет они доминировали в Западной Европе. Эти люди произвели искусство, в котором главным элементом является узор. Они особенно увлекались структурами переплетающихся драконов и птиц.
Очень мало росписи стен сохранилось со средневековья. В церквях, построенных во время романского периода (XI-XIII вв.), было несколько великих фресок, но большинство из них исчезло. В церквях готического периода (XII-XVI вв.) не было достаточно места для настенных росписей. Книжная иллюстрация была главной работой готического живописца.
Среди лучших иллюстрированных рукописей были книги часов – сборники календарей, молитв и псалмов. Страница из итальянской рукописи показывает тщательно оформленные инициалы и мелко детализированную маргинальную сцену святого Георгия, убивающего дракона.
Итальянские художники в конце XIII века всё ещё работали в византийском стиле. Человеческие фигуры были сделаны плоскими и декоративными. Лица редко имели выражение. Тела были невесомыми и, казалось, плавали, а не стояли твёрдо на земле.
Наконец, великий флорентийский художник Джотто (1267-1337), фактически порвал с византийской традицией. Его фресковая серия в Часовне Арены в Падуе оставляет византийское искусство далеко позади. Люди не кажутся совершенно нереальными или небесными. Джотто заштриховал контуры фигур, и поместил глубокие тени в складки одежд, чтобы дать ощущение округлости и прочности. Ясность и яркость его цветов должны были сильно повлиять на людей, привыкших к тёмным цветам византийских панелей.
Живопись XV века
Живопись рассматривается, как один из способов познания мира, в это время закладываются научные основы существующих доныне принципов изобразительности: линейной и воздушной перспективы, пластической анатомии, светотени, основ оптики и цветовых гармоний.
Леонардо да Винчи (1452-1519)
В начале XV века художники в Северной Европе работали в стиле, совершенно отличном от итальянской живописи. Северные художники достигли реализма, добавив к своим картинам бесчисленные подробности. Все волосы были изящно очерчены, и каждая деталь драпировки или настила пола была точно установлена. Изобретение масляной живописи упростило детализацию деталей.
Фламандский художник Ян ван Эйк (1390-1441) внёс свой большой вклад в развитие масляной живописи. С маслом, которое медленно сохнет, художник может достичь более сложных эффектов. Его портреты были исполнены в фламандской масляной технике. Все детали и даже зеркальное отражение – чёткие и точные. Цвет прочный и имеет твёрдую, эмалеобразную поверхность. Грунтованная деревянная панель, была приготовлена так же, как Джотто готовил свои панели для темперы. Ван Эйк создал картину слоями тонкого цвета, называемого глазурью.
Итальянцы переходили в золотой век искусства и литературы. Этот период называется Ренессансом, что означает возрождение. Художники эпохи Возрождения продолжали рисовать религиозные сцены. Но они также подчёркивали земную жизнь и достижения людей.
Достижения Джотто в начале XIV века положили начало Ренессансу. Итальянские художники XV века его продолжили. Мазаччо (1401-1428) был одним из лидеров первого поколения художников эпохи Возрождения из Флоренции. К моменту его смерти в конце двадцатых годов он произвёл революцию в живописи. В своей знаменитой фреске «The Tribute Money» он ставит солидные скульптурные фигуры в пейзаж, который, кажется, уходит далеко вдаль.
Стиль Фра Анджелико (1395-1455) представляет собой более традиционный подход, используемый многими художниками раннего Ренессанса. Он был менее озабочен перспективой и больше интересовался декоративным рисунком. Его «Коронация Богородицы» – пример темперы в самом красивом исполнении. Весёлые, насыщенные цвета на фоне золота и акцентированные золотом. Картина выглядит как увеличенная миниатюра. Длинные узкие фигуры имеют мало общего с Мазаччо. Композиция организована в широких линиях движения, кружащихся вокруг центральных фигур Христа и Марии.
Леонардо да Винчи учился живописи во Флоренции. Он известен своими научными исследованиями и изобретениями, а также своими картинами. Очень немногие его картины сохранились, отчасти потому, что он часто экспериментировал с разными способами создания и применения краски. «Тайная вечеря» (написанная между 1495 и 1498 годами) была сделана в масле, но, к сожалению, Леонардо написал её на влажной стене, из-за которой краска раскололась. Одной из отличительных особенностей стиля Леонардо был его метод изображения огней и темноты. Итальянцы называли его полутёмное освещение «сфумато», что означает дымчатый или туманный. Фигуры в «Мадонне из скал» завуалированы в атмосфере сфумато. Их формы и черты мягко затенены. Леонардо достиг этих эффектов, используя очень тонкие градации светлых и тёмных тонов.
Живопись XVI века
Кульминация ренессансной живописи произошла в XVI веке. В то же время центр искусства и культуры переместился из Флоренции в Рим.
Творчество Рафаэля(1483-1520), Тициана(1488-1576), Эль Греко(1541-1614), Караваджо (1571-1610).
Под папой Сикстом IV и его преемником, Юлием II, город Рим был славно и богато украшен художниками эпохи Возрождения. Юлий поручил великому скульптору и живописцу Микеланджело расписать потолок Сикстинской капеллы и вырезать скульптуру для гробницы Папы. Юлий также пригласил живописца Рафаэля помочь украсить Ватикан.
Микеланджело, флорентиец по рождению, разработал монументальный стиль живописи. Фигуры в его картине настолько прочные и объёмные, что они выглядят как скульптуры. Сикстинский потолок, который занял у Микеланджело 4 года, состоит из сотен человеческих фигур из Ветхого Завета.
Рафаэль приехал во Флоренцию из Урбино ещё очень молодым человеком. Во Флоренции он впитал идеи Леонардо и Микеланджело. К тому времени, когда Рафаэль отправился в Рим, его стиль стал одним из величайших по красоте исполнения. Он особенно любил свои прекрасные портреты Мадонны с младенцем. Его «Мадонна дель Грандука» успешна благодаря своей простоте.
Мастер масляной техники Тициан писал огромные холсты в тёплых, насыщенных цветах. В своих зрелых картинах он пожертвовал деталями для создания потрясающих эффектов, например как в «Мадонне Песаро». Он использовал большие кисти, чтобы делать крупные мазки. Его цвета особенно богаты, потому что он терпеливо создавал глазури контрастных цветов.
Ещё одним великим венецианским художником XVI века был Тинторетто (1518-1594). В отличие от Тициана, он обычно работал непосредственно на холсте без предварительных эскизов или контуров. Он часто искажал свои формы (выкручивал их) ради композиции и драмы сюжета.
В Италии художники Караваджо (1571-1610) и Аннибале Карраччи (1560-1609) представляли две контрастные точки зрения. Караваджо (настоящее имя Микеланджело Мериси) всегда черпал вдохновение непосредственно из реалий жизни. Одна из его главных проблем заключалась в том, чтобы скопировать природу как можно точнее, не прославляя её каким-либо образом. Карраччи, с другой стороны, следовал идеалу красоты эпохи Возрождения.
Художник Кириакос Теотокопулос был известен как Эль Греко («Греческий»). Рожденный на острове Крит Эль Греко обучался итальянскими художниками. Будучи молодым человеком, он отправился учиться в Венецию. Объединённое влияние византийского искусства, которое он видел вокруг себя на Крите, и итальянского искусства эпохи Возрождения, сделали работу Эль Греко выдающейся. В своих картинах он искажал естественные формы и использовал ещё более странные, более неземные цвета, чем Тинторетто. Позже, Эль Греко перебрался в Испанию.
В XVI веке многие фламандские художники подражали итальянским художникам эпохи Возрождения. Однако некоторые фламандцы продолжали фламандскую традицию реализма. Тогда распространилась жанровая живопись – сцены из повседневной жизни, которые иногда были очаровательными, а иногда и фантастическими. Питер Брейгель Старший (1525-1569) также работал во фламандской традиции, но добавил к своим жанровым сценам перспективу и другие характеристики Ренессанса.
Альбрехт Дюрер (1471-1528), Ганс Гольбейн Младший (1497-1543) и Лукас Кранах Старший (1472-1553) были тремя наиболее важными немецкими художниками XVI века. Они многое сделали для смягчения мрачного реализма ранней немецкой живописи.
Живопись XVII века
Складываются национальные школы живописи в разных странах. Основное внимание живописцев уделено освещению социально-гражданских идеалов, точному, реалистическому бытописанию.
Творчество Рубенса(1577-1640), Рембрандта (1606-1669)
Диего Веласкес (1599-1660), придворный живописец испанского короля Филиппа IV, был одним из величайших из всех испанских художников. Будучи поклонником работ Тициана, он был мастером в использовании богатого, гармоничного цвета. Ни один художник не мог лучше создать иллюзию богатых тканей или кожи человека. Портрет маленького принца Филиппа Проспера показывает это мастерство.
Картины фламандского художника Питера Пауля Рубенса представляют собой воплощение полноцветного стиля барокко. Они разрываются энергией, цветом и светом. Рубенс порвал с фламандской традицией рисовать маленькие картины. Его полотна огромны, наполнены человеческими фигурами. Он получал больше заказов на большие картины, чем мог бы выполнить. Поэтому он часто рисовал только небольшой цветной эскиз. Затем его помощники переносили эскиз на большой холст и заканчивали картину под руководством Рубенса.
Достижения голландского живописца Рембрандта являются одними из самых выдающихся в истории. У него был замечательный дар – точно поймать и передать человеческие эмоции. Как и Тициан, он долго работал над созданием многослойных картин. Земные цвета – жёлтая охра, коричневая и коричнево-красная – были его фаворитами. Его картины выполнены, в основном, в тёмных тонах. Важное значение тёмных многослойных частей, делают его технику необычной. Акцент передаётся ярким освещением относительно светлых участков.
Ян Вермеер (1632-1675) был в одной из групп голландских художников, которые писали скромные сцены повседневной жизни. Он был мастером в рисовании любых текстур – сатиновых, персидских ковров, хлебных корочек, металла. Общее впечатление от интерьера Вермеера – это солнечная, жизнерадостная комната, наполненная знаковыми бытовыми предметами.
Живопись XVIII века
Вкус к пастельным цветам и замысловатой отделке в начале XVIII века привёл к развитию стиля Рококо. В основе стиля – пикники в парках, лесные вечеринки, где элегантные джентльмены и прекрасные дамы развлекаются на природе.
В XVIII веке Венеция произвела на свет несколько прекрасных художников. Самым известным был Джованни Баттиста Тьеполо (1696-1770). Он украшал интерьеры дворцов и других зданий грандиозными красочными фресками, представляющими сцены богатства. Франческо Гварди (1712-1793) был очень искусен кистью, всего несколькими пятнами цвета он мог вызвать в воображении идею крошечной фигуры в лодке. Зрелищные виды Антонио Каналетто (1697-1768 гг.) воспевали прошлую славу Венеции.
Во Франции вкус к пастельным цветам и замысловатой отделке в начале XVIII века привёл к развитию стиля Рококо. Жан Антуан Ватто (1684-1721), придворный художник короля Людовика XV, а позднее Франсуа Буше (1703-1770) и Жан Оноре Фрагонар (1732-1806) были связаны с трендами Рококо. Ватто писал мечтательные видения, жизнь, в которой всё – веселье. В основе стиля – пикники в парках, лесные вечеринки, где веселые джентльмены и элегантные дамы развлекаются на природе.
Другие художники XVIII века изображали сцены обычной жизни среднего класса. Как и Голландский Вермеер, Жан Батист Симеон Шарден (1699-1779) ценил простые домашние сюжеты и натюрморты. Его цвета трезвы и спокойны по сравнению с Ватто.
В XVIII веке англичане впервые разработали отдельную школу живописи. Ядро состояло, в основном, из художников-портретистов, на которых влияли художники венецианского ренессанса. Сэр Джошуа Рейнольдс (1723-1792) и Томас Гейнсборо (1727-1788) являются самыми известными. Рейнольдс, который путешествовал по Италии, следовал идеалам живописи ренессанса. Его портреты, обаятельные и трогательные, не особенно интересны по цвету или текстуре. У Гейнсборо, с другой стороны, был талант к блеску. Поверхности его картин светятся сияющим цветом.
Живопись XIX века
Художники этого периода внимательно наблюдают и отображают в своих полотнах реальный мир: образы обычных людей, характерные явления и события времени, отказ от подчёркнутой эстетичности, эмоциональности и стилизации в пользу убедительности и визуальной правды.
Франсиско Гойя (1746-1828) был первым великим испанским художником, появившимся с XVII века. Как любимый художник испанского двора, он сделал много портретов королевской семьи. Королевские персонажи оснащены элегантной одеждой и прекрасными драгоценностями, но всё, что отражается на их лицах, это тщеславие и жадность. Помимо портретов, Гойя рисовал драматические сцены, такие как, Третье мая 1808 года. На этой картине изображен расстрел группы испанских повстанцев французскими солдатами.
Хотя Франция была великим центром искусства в 1800-х годах, английские ландшафтные художники Джон Констебль (1776-1837) и Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер (1775-1851) внесли ценный вклад в живопись XIX века. Оба интересовались живописью света и воздуха, двумя аспектами природы, которые художники XIX века исследовали полностью. Констебль использовал метод, известный как деление, или сломанный цвет. Картины Тёрнера более драматичны, чем у Констебля, который писал величественные достопримечательности природы – бури, морские пейзажи, пылающие закаты, высокие горы.
Период правления Наполеона и Французская революция ознаменовали появление двух противоположных тенденций во французском искусстве – классицизма и романтизма. Жак Луи Давид (1748-1825) и Жан Огюст Доминик Энгр (1780-1867) были вдохновлены древнегреческим и римским искусством и эпохой Возрождения. Будучи любимым художником революционного правительства, Давид часто писал исторические события того периода.
Теодор Герико (1791-1824) и романтик Эжен Делакруа (1798-1863) восстали против стиля Давида. Для Делакруа цвет был самым важным элементом в живописи ,и у него не было терпения для имитации классических статуй. Он выбрал красочные, экзотические темы для своих картин, которые сверкают светом и полны движения.
Другие художники экспериментировали с повседневными обычными предметами. Ландшафты Жана Батиста Камиля Коро (1796-1875) отражают его любовь к природе, и его этюды человеческого тела показывают своего рода сбалансированное спокойствие. Гюстав Курбе (1819-1877) называл себя реалистом, потому что он изображал мир таким, как видел его – даже его суровую, неприятную сторону. Он ограничил свою палитру всего лишь несколькими мрачными цветами. Эдуар Мане (1832-1883) также брал основу для своих сюжетов из окружающего мира. Люди были потрясены его красочными контрастами и необычными приёмами. Методы Мане по нанесению эффектов света на форму повлияли на молодых художников, особенно импрессионистов.
Работая в 1870-х и 1880-х годах, группа художников, известных как импрессионисты, хотела изображать природу именно так, какой она была. Они пошли намного дальше, чем Констебль, Тёрнер и Мане в изучении эффектов света в цвете. Некоторые из них разработали научные теории цвета. Клод Моне (1840-1926) часто писал один и тот же вид в разное время суток, чтобы показать, как он меняется в разных условиях освещённости. Пьер Огюст Ренуар (1841-1919) использовал методы импрессионизма, чтобы захватить праздник парижской жизни. Ренуар писал картины мелкими мазками. Точки и штрихи краски создают текстуру на поверхности картины, которая придаёт ей особый вид.
Живопись XX века
Направления живописи, возникшие в XX веке, принято объединять под одним названием – авангардизм. В принципе авангардизм породил большее количества живописных течений – импрессионизм, абстракционизм, сюрреализм, модерн, Op-art и т.д.
В начале XX века все еще был популярен импрессионизм – чистое, «воздушное» направление. Чистое и естественное восприятие, перенесенное на холст, говорило о возвышенном, восхищенном восприятии мира. Художники этого направления вообще не хотели видеть действительность. Их идейной основой был уход в мир подсознания, грез и иллюзий
Абстракционизм (лат. «abstractio» — удаление, отвлечение) — направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации.
Сюрреализм (фр. surréalisme — сверхреализм) — новое направление в живописи, сформировавшееся к началу 1920-х во Франции. Отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм. Основное понятие сюрреализма, сюрреальность — совмещение сна и реальности. Сюрреалисты были вдохновлены радикальной левой идеологией, однако революцию они предлагали начать со своего сознания. Искусство мыслилось ими основным инструментом освобождения.
Моде́рн (от фр. moderne — современный) или ар-нуво (фр. art nouveau, буквально «новое искусство») — художественное направление в искусстве, больше популярное во второй половине XIX — начале XX века. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (в особенности, в архитектуре), расцвет прикладного искусства. Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека. Для живописи модерна характерны сочетание «ковровых» орнаментальных фонов и натуралистической осязаемости фигур и деталей, силуэтность, использование больших цветовых плоскостей или тонко нюансированной монохромии.
Op-art – сокращенный вариант optical art –оптическое искусство) – художественное течение второй половины XX века, использующее различные зрительные иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур. Течение продолжает рационалистическую линию техницизма (модернизм). Оп-арт (англ. op art — сокр. от «оптическое искусство») Одна из разновидностей кинетического искусства. Оп-арт стремится к достижению оптической иллюзии движения неподвижного художественного объекта путем психофизиологического воздействия на зрителей, их активизации. В отличие от кинетического искусства, произведение и зритель неподвижны. Искомый оптический эффект строится на контрапункте напряженного художественного восприятия, требующего концентрации зрительского внимания, и фактической неподвижности артефакта.
Искусство фотографии
В 1826 году в городе под называнием Шалон-сюр-Сон, в Бургундии, великий изобретатель Нисефор Ньепс установил на своем окне новое устройство. Именно с этого места на втором этаже его дома Ньепс сделал первую в истории фотографию.
Искусство фотографии — это неотъемлемая часть технологического прогресса. Каждое достижение в сфере производства камер, печати и публикации изображений приводит к появлению новых форм фотографии. Благодаря этим постоянным изменениям художественная фотография сохраняет свои позиции и влияние.
Джон Эдвин Майалл первым придумал использовать камеру в художественных целях. В современном мире принято считать первыми художественными фотографиями серию работ 1851 года «Отче наш». Именно использование кадрирования и субъективность взглядов придают изображениям их притягательность. Возможно, он был первым фотографом, который считал, что занимается скорее высоким искусством, а не простой документалистикой.
В это время фотографам стало доступно все больше оборудования, а знаменательные работы Майалла воодушевили их к открытию новых направлений в фотографии, таких как пейзажная и портретная съемка, экспрессионизм, а также других видов и подходов.
Даже документалисты стали художниками — вспомните ошеломляющие пейзажи Анселя Адамса или душераздирающие социальные реалии, засвидетельствованные Доротеей Ланге. И хотя этих фотографов пытались запятнать обвинениями в создании рекламных или журналистских материалов, они создали одни из величайших художественных фотографий XX века.
Одним из главных достижений последних 20 лет является повышение качества камер, доступных рядовому потребителю. Появление цифровых камер подарило больше возможностей их пользователям. Это привлекло людей с разным уровнем умений и знаний. В фотографии появились новые веяния.
Производить съемку художественной фотографии стало дешево. Теперь это доступно каждому. «Инстаграмм» и подобные ему платформы открывают доступ к огромной аудитории. Не только доступность камер, а именно методы распространения обнулили звания всех фотографов. У многих появилась возможность демонстрировать свои работы не только покупателям, но и ценителям искусства.
Живопись XXI века
Самым развивающимся искусством в XXI веке является живопись. Из-за стремительного изменения окружающего мира художники используют различные направления и создают новые школы.
СТРИТ-АРТ. Искусство, для которого город это выставка либо холст. Цель стрит-артиста: моментально вовлечь прохожего в диалог при помощи своей инсталляции, скульптуры, постера либо трафарета.
ГИПЕРРЕАЛИЗМ. Искусство, подражающее фотографии. Художники этого направления в точности копируют мир так, как мы его видим на фото. В работах художников читается некая ирония над техногеном. Художники изображают в основном сюжеты из жизни современного мегаполиса.
СТАКИЗМ. Британское арт-объединение фигуративной живописи. Выступало против концептуалистов. Первая выставка была в Лондоне в 2007-м, как протест против галереи Тейт. Шум в прессе привлек внимание к стакистам. Сейчас в мире насчитывается более 120 артистов. Их девиз: художник, который не рисует — не художник.
Мистика и волшебство ФЭНТЕЗИ картин привлекают огромное количество поклонников этого жанра. Пейзажи то мрачны и ужасны, то лиричны и притягательны. Фэнтези манит своим разнообразием, возможностью увидеть мир снов, в котором есть место колдунам и феям, единорогам и страшным чудовищам, рыцарям и драконам.