Доисторическая скульптура
В первобытные и древние времена развитие скульптуры представляется нам через разнообразное множество различных идолов и древних статуй.
Первые проявления художественного творчества в области ваяния кроются во мраке доисторических времен; не подлежит, однако, сомнению, что они были вызваны, как вызывались и впоследствии у молодых племён, потребностью человека, ещё не вышедшего из дикого состояния, выразить чувственным знаком идею о божестве или сохранить память о дорогих людях. На эту причину намекает поэтическая легенда древних греков об изобретении пластики, — легенда, по которой Кора, дочь коринфянина Вутада, желая, при расставании со своим возлюбленным, сохранить себе на память его изображение, очертила контур его головы по тени, брошенной солнцем, а её отец заполнил этот силуэт глиною. Каковы были начальные опыты ваяния в доисторическую эпоху — о том позволяют нам судить истуканы, найденные европейскими путешественниками при первом посещении островов Тихого океана, например на Гавайских островах. Это — простые столбы со слабыми, чудовищными намеками на человеческие лицо и члены.
Древнеегипетская скульптура
Скульптура Египта, во всё продолжение его исторической жизни, оставалась неразлучной спутницей архитектуры, подчиняясь её принципам и служа к украшению её сооружений изваяниями богов, царей, фантастических существ и пластическими картинами, соответствующими назначению здания.
Одна из первых цивилизаций появилась в Египте. Из письменных записей и искусства, оставленного египтянами, известно многое об их жизни. Они считали, что тело должно быть сохранено, чтобы душа могла жить после смерти. Великие пирамиды были сложными гробницами для богатых и могущественных египетских правителей. Многое в египетском искусстве было создано для пирамид и гробниц царей и других важных людей. Чтобы быть абсолютно уверенным, что душа будет продолжать существовать, художники создавали изображения мёртвого человека в камне.
В начале (в мемфисском периоде), под влиянием народного представления о загробной жизни, скульптура выказывала решительную наклонность к реализму, но потом застыла в условных, однажды установившихся формах, почти не подвергавшихся изменению до самого падения египетского царства. Удивительное терпение и ловкость в преодолении технических трудностей при обработке таких твёрдых материалов, как диорит, базальт и гранит, характерное воспроизведение племенного типа, величественность, достигаемая посредством колоссальности и придания строго пропорциональным фигурам симметричности форм и торжественного спокойствия — таковы отличительные качества египетских статуй фивского и саисского периодов, страдающих, однако, отсутствием выражения индивидуального характера и настоящей жизни.
Скульптура Месопотамии
Раскопки, произведенные в Месопотамии, в местностях, где некогда царили Вавилон и Ниневия, познакомили ученый мир с халдейско-ассирийским ваянием (1000—600 гг. до н. э.).
Скульптурные памятники, найденные в развалинах дворцов в Нимруде, Хорсабаде и Куюнджике, состоят из стенных рельефов, изображающих различные эпизоды из жизни царей, военные происшествия, охотничьи сцены. Отличительные черты этих произведений — довольно значительная выпуклость рельефа, суровость концепции, преувеличенное выражение физической мощи в плотных, мускулистых фигурах и отсутствие в них индивидуального характера и духовной жизни. Фигуры эти значительно уступают изображению животных, которых месопотамское искусство воспроизводило с некоторым пониманием природы. По части религиозной скульптуры мы находим у халдеев и ассириян почти исключительно небольшие бронзовые и терракотовые статуэтки благодетельных и злых демонов, представляющие иногда удачное, иногда чудовищное сочетание человеческих форм с формами животных.
Искусство Ассирии перешло вместе с её могуществом к мидийцам и через них к персам (560—330 гг. до н. э.), унаследовавшим от неё как употребление скульптуры для декорирования царских дворцов, так и её формы и содержание. Памятники ваяния, найденные в развалинах царских резиденций в Персеполе и Сузах, состоят из рельефов с изображениями, относящимися преимущественно к царю и к придворной жизни, и в фантастических дворцовых привратниках — крылатых животных с человеческою головою.
Скульптура древней Индии
Религиозные воззрения древних индийцев в сильной степени отразились в их ваянии, старейшие памятники которого относятся приблизительно к половине III века до н. э.
Искусство скульптуры на берегах Инда стояло в непосредственной связи с зодчеством: таинственность, мистичность, нашедшие себе выражение в топах, пещерных храмах и пагодах, ещё яснее проявились в пластических олицетворениях богов и изображениях их символических подвигов, изваянных рельефом на столбах при карнизах и в нишах этих святилищ. Но понятия об индийских божествах возникли не из ясных, чисто человеческих представлений, а из мечтательных и фантастических.
Первые скульптуры в Индии относятся к Индской цивилизации, у которой были обнаружены каменные и бронзовые фигуры. Позднее, индуистская, как и буддистская, и джайнистская, скульптура получила своё дальнейшее развитие. В Индии появились чрезвычайно сложные резные орнаменты как храмовые, так и бронзовые. Некоторые огромные храмы, такие как в Эллоре, не были построены из блоков, а были высечены непосредственно из большой горы.
Скульптуры на северо-западе страны, сделанные из стукко, сланцев или глины, показывают сочетание индийского стиля с классическим эллинистическим, и возможно с греко-римским. Почти одновременно с этим развивалась культура скульптур из розового песчаника в Матхуре. Во времена существования государства Гуптов (IV—VI века) скульптура достигла высоких стандартов выполнения и деликатного моделирования. Эти и другие стили по всей Индии в итоге развились в классическое индийское искусство, которое также внесло свой вклад в буддистскую и индусскую скульптуру по всей Юго-Восточной, Центральной и Восточной Азии.
Скульптура древнего Китая
Найденные при раскопках бронзовые сосуды свидетельствуют о наличии уже во 2-м тысячелетии до н.э. в Китае скульптурного искусства.
В период Хань появились гравированные по кирпичу и камню рельефы, в период династии Шань в погребения стали складывать деревянные, а позже — глиняные фигурки. В период династии Цинь в захоронениях складывали керамические погребальные фигурки, терракотовые цинские погребальные статуи воина с конём высотой около в 185 сантиметров, скульптуры лошадей. Известно захоронение 8099 полноразмерных терракотовых статуй китайских воинов и их лошадей у мавзолея императора Цинь Шихуанди в Сиане (210—209 гг. до н. э.) — Терракотовая армия.
В Китае таких каменных пещер около 120. Наиболее известные — пещеры Юньган в провинции Шаньси, Лунмэнь в провинции Хэнань и Пещеры Могао в провинции Ганьсу. В Юньганских пещерах — 53 помещения с около 51 тысячами статуй, самая большая из которых имеет 17 метров высоты. Наиболее известна 14-ти метровая статуя Будды Шакьямуни в 20-й пещере.
Скульптура древней Греции
Религиозные и этические воззрения эллинов, принимавших видимый мир за проявление божества и стремившихся выразить это через очистку или идеализацию мира, были причиной того, что ваяние стало самым значимым видом художественного творчества древних греков.
XIII—VII века до н. э.
Свидетельства склонности древних греков к прямому подражанию природе находятся ещё в архаический период их истории. Одним из примеров этого является рельеф над Львиными воротами в Микенах.
Затем, с первых столетий, следовавших за вторжением дорийцев в Пелопоннес, не сохранилось достоверных источников информации и памятников, но с конца VII века до н. э. повышается мастерство воспроизведения форм человеческого тела. Прежде боги изображалась в виде грубых деревянных истуканов (так называемые ксоаны), с окоченелыми, порою едва намечаемыми и неотделенными от корпуса членами. Затем изваяния стали более оживлёнными, причем туловища их изготавливали из дерева, а головы и руки из мрамора (такие изваяния называются акролитами). Мрамор и бронза постепенно получают широкое распространение.
Процесс создания статуй, заставляли греческих ваятелей внимательно изучать обнажённое человеческое тело. Повсюду, на Эгине, в Аргосе, Сикионе, Афинах и других местах, возникают скульптурные школы, и среди ваятелей славятся Дипойн и Скиллид, Каллон, Онат, Агелад и некоторые другие.
VI-V века до н. э.
VI век и начало V-го — греческая скульптура утрачивает восточное влияние и начинает развиваться самостоятельно. К важнейшим памятникам этой эпохи относятся метопы древнейшего из селинунтских храмов в Сицилии, фронтонные группы эгинского храма , и изображающие сцены борьбы греков с троянцами.
Век Перикла — период наибольшего расцвета греческой скульптуры. Известными представителями этого периода являются Каламид, в разнообразных произведениях которого грация сочеталась с тонким художественным чутьём натуры, и Мирон, среди заслуг которого привнесение в скульптуру нового элемента — смелого, одушевленного движения.
Выдающимся скульптором эпохи Перикла был афинянин Фидий (около 500—432 г. до н. э.), ваявший преимущественно статуи богов, наделённые редким благородством и величием. Глубоко прочувствовав характер главных олимпийцев, он создал их наилучшие образцы, которых потом придерживались многие античные ваятели. Это хризоэлефантинная статуя Афины Паллады для Парфенона, бронзовая статуя той же богини, как градохранительницы, стоявшая в афинском Акрополе, хризоэлефантинный Зевс Олимпийского храма и другие.
Среди учеников Фидия наибольшую известность получили Алкамен, Агоракрит и Пэоний; из произведений же его школы особенно замечательны скульптурные украшения Парфенона.
Одновременно с этой аттической школой ваятелей процветала пелопоннесская школа в Сикионе, во главе которой стоял Поликлет, создавший идеальный тип Геры в хризоэлефантинной статуе для аргосского храма этой богини; он в особенности отличался искусством изображать юных атлетов и одним из таких изображений установил идеальные пропорции человеческого тела (так называемый канон Поликлета).
IV в. до н. э.
В IV в. до н. э. греческая скульптура, не утратив своего совершенства, открылась с другой стороны: ещё не исчезли идеи и чувства, породившие множество шедевров в век Перикла, но к ним добавились новые понятия, новые задачи; произведения стали более страстными, проникнутыми драматизмом, отличались более чувственной красотой. В отношении материалов ваяния также произошли изменения: слоновую кость и золото вытеснил из употребления мрамор; к металлическим и другим украшениям стали прибегать более умеренно.
Одним из представителей этого направления был Скопас, глава новоаттической школы. Он старался воспроизводить пафос, выражать бурные страсти, и достигал этой цели с силой, какая до той поры не была никому доступна (ему принадлежали оригиналы Аполлона Кифареда, сидящего Ареса виллы Лудовизи и, быть может, Ниобид, умирающих вокруг своей матери, а также ему принадлежит исполнение части рельефов Галикарнасского Мавзолея).
Другой великий мастер той же школы, Пракситель, любил, подобно Скопасу, изображать глубокие ощущения и вызванные страстью движения, хотя лучше всего удавались ему идеально-прекрасные юношеские и полудетские фигуры с оттенком едва пробудившейся или ещё скрытой страстности II в. до н. э.
В противоположность афинским мастерам-идеалистам, скульпторы пелопоннесской школы этой же эпохи в Аргосе и Сикионе работали в натуралистическом духе, создавая, в основном, сильные и красивые мужские фигуры, а также портреты известных деятелей. Между этими художниками первенствовал Лисипп, ваятель из бронзы, современник и любимец Александра Македонского, прославившийся его портретными изображениями, создавший новый канон пропорций человеческого тела своею статуей атлета-апоксиомена и создавший, между прочим, типовой образ Геракла.
В последнюю пору самостоятельного существования греческого народа, с эпохи Александра Великого и до покорения Греции римлянами, наметился упадок творчества скульпторов.
Древнеримская скульптура
В этой последней фазе своего развития искусство греческой скульптуры перешло к римлянам. Римские скульпторы не ограничивались ролью простых подражателей: мало заботясь об идеализации, они старались передавать натуру с точностью и силой. Таков характер их исторических статуй и бюстов.
Народу, призванному к выработке основ государственной жизни и к господству над миром, было вначале не до искусства и эстетических наслаждений. После того, как пала Греция, и произведения её ваятелей целою массою свезены были в Рим, в который, к тому же, начали стекаться её художники, было вполне естественно, что эллинское совершенное искусство вытеснило из вечного города искусство Этрурии. Греческие мастера стали работать на римлян и находить среди них учеников себе и подражателей. Как на лучшие из подобных произведений можно указать на статуи Венеры , Венеры Капитолийской, Ватиканской Ариадны, Аполлона Бельведерского и других. Впрочем, римские скульпторы не ограничивались ролью простых подражателей: мало заботясь об идеализации, они старались передавать натуру с точностью и силой. Таков характер их исторических статуй и бюстов, наполняющих собою современные музеи (например, статуи Августа в Ватиканском, Марка Аврелия и Агриппины в Капитолийском музеях). То же стремление сказывается в изваяниях, которыми римляне украшали общественные памятники для увековечения славных событий отечественной истории, подвигов и побед, распространивших владычество Рима до далеких пределов (рельефы на триумфальных арках Тита, Септимия Севера, Марка Аврелия, на колоннах Траяна, Антонина и Константина).
Едва ли существовал какой-либо другой народ, который расходовал бы на ваяние столь много мрамора, как римляне. После «Золотого Века», начавшиеся войны и смуты ожесточили нравы, что сказалось на качестве работ, которое к эпохе Константина Великого упало очень низко и более не подымалось.
Средневековая скульптура
Главная особенность средневековой скульптуры, в том что она стала частью архитектуры. Свободностоящая скульптура встречалась редко, потому что отражала чуждые христианству ценности, напоминая об языческих идолах, идолопоклонстве.
В тёмную пору раннего средневековья скульптура находилась в полном упадке: в Византии и вообще на Востоке оно было изгнано из употребления для крупных предприятий и производило лишь мелкие вещи, каковыми были диптихи из слоновой кости, кресты, оклады священных книг и икон, а на Западе, где также приходилось удовлетворять почти исключительно потребности религиозного культа, прозябало на почве смутных античных преданий.
Соборы строились не одно десятилетие, а феодальная раздробленность не приводила к появлению единых канонов за исключением церковно-христианских. Хотя все задуманное осуществлялось в лоне христианства, варварские традиции нашли свое отражение во многих скульптурных образах.
Во Франции к моменту возникновения готического стиля скульптуры ваялись из каменных блоков, оставаясь в то же время их частью; отдельно, самостоятельно «стоящих» статуй не создавалось. Лишь к началу XIII столетия начинается достаточно медленное развитие пластического мастерства в направлении ваяния отдельных фигур с пропорционально переданными членами.
В Италии сложилась самостоятельная готическая школа пластики. Здесь скульптура больше не связана в обязательном порядке с архитектурными решениями, она служит более созданию декора в помещениях и открытых пространствах (городские площади, парки). Итальянская школа всё менее связана с византийским искусством, и всё более ищет для себя образцы в античности.
В Германии к началу XIII столетия работают преимущественно скульпторы и зодчие, прошедшие обучение у французских мастеров. Здесь предпочитают установку статуй во внутренних помещениях зданий.
Скульптура Ренессанса
Главная особенность скульптуры эпохи возрождения – компактность композиции. После тысячелетней эпохи средневековой схоластики, скульпторы Ренессанса обратились к античным традициям, воспевая гимн человеческому разуму и духу.
Микеланджело Буонарроти(1475-1564)
В начале XV века каменные изваяния человеческих фигур отличаются уже значительной красотою и стройностью, а их драпировка — живописностью и осмысленностью укладки. Дальнейшее движение немецкой пластики клонится к ещё более живому, индивидуализирующему направлению, предвозвещающему во многих отношениях стиль Возрождения. Адам Крафт и литейщик Петер Фишер, оба из Нюрнберга, должны считаться представителями этого направления. Рядом с каменным и металлическим ваянием делает существенные успехи и немецкая резьба из дерева, известнейшими мастерами деревянно-резного дела были в XVI столетии нюрнбергцы Фейт Штос и Ганс Брюггеман и тиролец Михаель Пахер.
В противоположность северным странам, в Италии ваяние готического периода развивалось независимо от архитектуры. Своими успехами оно было там обязано, главным образом, Джованни . К направлению этого художника примкнул целый ряд других тосканских ваятелей, его непосредственных учеников или подражателей, из которых особенно знамениты: Джотто, Андреа Пизано и Орканья. Благодаря усилиям этих и других мастеров итальянское искусство сбрасывает с себя последние остатки средневековой сухости и условности и в начале XV в. выходит на новый свободный путь — путь индивидуальности творчества, одушевленной выразительности, глубокого вникания в натуру.
Тоскана остается по-прежнему главным очагом артистической деятельности, и её художники создают произведения, приводящие в восторг не только их современников, но и отдаленное потомство. Передовыми распространителями нового движения являются Якопо делла Кверчья, прозванный «della Fonte» за превосходный фонтан, воздвигнутый им в Сиене; Лука делла Роббиа, составивший себе имя в особенности рельефами из обожженной и глазурованной глины, и высоко талантливый Донателло. По их следам идет фаланга более или менее даровитых мастеров. В правление папы Льва X итальянская скульптура, как и прочие отрасли искусства, достигают кульминационного пункта своего развития в работах Джан Франческо Рустичи, Андреа Контуччи (Сансовино) и, наконец, гениального Микеланджело Буонарроти.
Скульптура Барокко
Отличительными особенностями скульптуры эпохи Барокко являются – контрастная проработка объема с обилием глубоких впадин и подчеркнутых выпуклостей. Примером здесь являются работы Лоренцо Бернини(1598-1680). Объем словно бы стремится ворваться в окружающее пространство.
Чем дальше, тем больше утрачивала скульптура свою прежнюю простоту и искренность, так что в XVII столетии в Италии уже господствовала в этой отрасли искусства манерность Лоренцо Бернини, Алессандро Альгарди и их несчётных последователей. Этот стиль, известный под названием барокко, держался и в XVIII столетии, в течение которого являлись иногда произведения, не лишенные величественности и свидетельствующие о богатой фантазии их исполнителей, но чаще такие, которые любопытны лишь вследствие своей вычурности.
Далее, нельзя не упомянуть о Пьере Пюже, Франсуа Жирардоне, Антуане Куазево — французских скульпторах, живших и работавших в эпоху Людовика XIV, но их работы сильно грешат театральностью, дошедшею в XVIII столетии во Франции до пустого, приторного жеманства.
Крупными скульпторами Испании эпохи Золотого века были Алонсо Кано и Педро де Мена.
Между нидерландскими художниками достоин внимания Франс дю Кенуа, прозванный итальянцами иль Фьямминго, живший в Риме во времена Бернини и, несмотря на то, оставшийся свободным от итальянской манерности. Ещё наивнее и чище по взгляду на природу ученик Арт Квеллинус дю Кенуа. Третий значительный нидерландский ваятель, Адриан де Врис, ученик Джованни да Болоньи, известен как автор прекрасно задуманных и мастерски исполненных бронзовых произведений.
Что касается до немецкого Возрождения, то оно пользовалось ваянием почти исключительно для надгробных памятников и архитектурно-декоративных задач. Среди скульпторов Германии в XVIII веке выдаются, однако, даровитые мастера: Андрей Шлютер в Берлине (монумент великого курфюрста в этом городе) и Рафаэль Доннер в Австрии (фонтан на Новом Рынке в Вене).
Классицизм в скульптуре
В XVIII веке просыпается понимание общественной важности и достоинства искусства. Своего наивысшего воплощения в области пластики классицизм достиг в героических и идиллических работах Антонио Кановы(1757-1822), черпавшего вдохновение в статуях эпохи эллинизма.
Толчком к развитию классицистической скульптуры в середине XVIII века послужили сочинения Винкельмана и археологические раскопки древних городов, расширившие познания современников об античном ваянии. На грани барокко и классицизма колебались во Франции такие скульпторы, как Пигаль и Гудон. Своего наивысшего воплощения в области пластики классицизм достиг в героических и идиллических работах Антонио Кановы, черпавшего вдохновение преимущественно в статуях эпохи эллинизма (Пракситель). В России к эстетике классицизма тяготели Федот Шубин, Михаил Козловский, Борис Орловский, Иван Мартос.
Публичные памятники, получившие в эпоху классицизма широкое распространение, давали скульпторам возможность идеализации воинской доблести и мудрости государственных мужей. Верность античному образцу требовала от скульпторов изображения моделей нагими, что вступало в противоречие с принятыми нормами морали. Чтобы разрешить это противоречие, деятели современности поначалу изображались скульпторами классицизма в виде обнажённых античных богов: Суворов — в виде Марса, а Полина Боргезе — в виде Венеры.
При Наполеоне вопрос решился путём перехода к изображению деятелей современности в античных тогах (таковы фигуры Кутузова и Барклая де Толли перед Казанским собором).
Частные заказчики эпохи классицизма предпочитали увековечивать свои имена в надгробных памятниках. Популярности этой скульптурной формы способствовало обустройство публичных кладбищ в главных городах Европы. В соответствии с классицистическим идеалом фигуры на надгробных памятниках, как правило, находятся в состоянии глубокого покоя. Скульптуре классицизма вообще чужды резкие движения, внешние проявления таких эмоций, как гнев.
Поздний, ампирный классицизм, представленный в первую очередь плодовитым датским скульптором Торвальдсеном, проникнут суховатой патетикой. Особенно ценятся чистота линий, сдержанность жестов, бесстрастность выражений. В выборе образцов для подражания акцент смещается с эллинизма на период архаики. Входят в моду религиозные образы, которые в трактовке Торвальдсена производят на зрителя несколько холодящее впечатление. Надгробная скульптура позднего классицизма нередко несёт на себе лёгкий налёт сентиментальности.
Реализм в скульптуре
Плеяда молодых скульпторов берётся за самые разные сюжеты и композиции. В скульптуру проникают различные народные и простые сюжеты, скульпторы экспериментируют и с традиционными техниками, активно используя новые приёмы выразительности.
Со второй половины XIX в. во Франции преобладание получают реалистическое и натуралистическое направление: Дюбуа, Фальгьер, Мерсье, гениальный Роден, Барри, Бартольди, Гийом (Виллем) Гефс и Симонис. П. Дюбуа и А. Мерсье вдохновляются скульптурными памятниками цветущей поры итальянского Возрождения, ища гармонии и красоты в спокойных позах. Наконец, Франция имеет право гордиться несколькими ваятелями, великолепно воспроизводящими животных. Самое видное место среди этих художников занимает Л. Л. Барри, которого можно считать истинным основателем этой пластической отрасли и первостепенным по ней мастером. Кроме него, вполне заслуженною известностью в том же роде пользуются А. Бартольди, который прославился колоссальною статуей «Свободы», принесённой французским правительством в 1886 г. в дар Соединённым Штатам Америки.
В Германии в начале XIX столетия И. К. Шадов, не пренебрегая антиками, поставил себе главною задачей воспроизведение современности и реального мира. Его стремления получили полное развитие в продолжительной и влиятельной деятельности X. Рауха . В Дрездене трудился Э. Ритшель, ученик Рауха, следовавший по его реалистическому направлению.
В Италии многочисленные ваятели Италии обратили своё внимание, главным образом, на техническую обработку мрамора, в которой и достигли высокого совершенства, производя с особой любовью сюжеты, заимствованные из современной действительности. Самым значительным из художников этого направления был В.Вела.
В России скульптор Федор Федорович Каменский (1838 — 1913), обращаясь к обыденным явлениям жизни, показывает благородство и красоту чувств и переживаний простого человека. Идеи критического реализма в скульптуре второй половины XIX в. нашли наиболее яркое выражение в творчестве Матвея Афанасьевича Чижова (1838 — 1916). Для известного скульптора Евгения Александровича Лансере (1848—1886) характерны небольшие, детально проработанные статуэтки и группы, изображающие преимущественно всадников-казаков, башкир, киргизов, черкесов. Во время многочисленных путешествий Лансере внимательно изучал жизнь народностей, населяющих Россию. Отсюда убедительность и этнографическая точность в воспроизведении им бытовых и военных сценок, типов, костюмов.
Модернизм в скульптуре
Скульптура почти никогда не выражала личность мастера. Это искусство использовалось для того, чтобы увековечить национальных героев, платных заказчиков или памятных событий. XX век стал точкой разъединения со старыми многовековыми традициями.
Уже в работах великого скульптора Огюста Родена прослеживался уход от традиций. Хотя скульптора, все же относят к стилю традиционализма, его произведениям присущи некоторые черты, которые характерны для модернизма. Это — световые эффекты и контрасты фактуры.
Несмотря на это, глубокие изменения, породившие в ХХ веке движение кубизма, были полной неожиданностью для публики. Кубизм зародился во Франции, а Пабло Пикассо и Жорж Брак стали его лидерами. Разрушая мир предметов и заново его восстанавливая в геометрических фигурах, они революционизировали искусство. Ключевая идея модернизма, которая берет свои корни отсюда — автономность искусства. Произведения искусства, отказавшись от зеркальной реальности, перешли в совершенно другую плоскость, которая ничего не должна окружающим.
В начале ХХ столетия европейцы начали интересоваться красотой других культур, среди которых была и художественная резьба африканских и тихоокеанских племен. Для того чтобы причаститься к таинству жизни и передать первозданные эмоции, ваятелям ХХ столетия пришлось отойти от реализма, как правило поверхностного. Так американец Джейкоб Эпстайн (1880-1959) подвергся сильно влиянию примитивизма. Он переехал в Великобританию, где его творения, которые называли «непристойными» и «уродливыми», шокировали публику до II мировой войны.
Искусство примитивизма стало причиной того, что многие ваятели стали упрощать формы и сближаться с чистой абстракцией, при этом, не теряя высшего смысла. Их ваятелем был Жан Арп (1887-1957). У румына Константина Брынкуши (1876-1957), создателя знаменитой серии «Птица в пространстве» поверхности скульптур из бронзы также были полированными и обтекаемыми, что придавало им загадочность. Упрощенные фигуры английского скульптора Генри Мура (1898-1986) стали причиной большого количества карикатур из-за своих внутренних поверхностей, так называемых «дыр».
Умберто Боччони и другие футуристы из Италии, работая совершенно по-другому, возносили динамизм и скорость жизни. Произведения Наума Габо (1890-1977), а также его единомышленников отвлеченные по художественным задачам, но столь же современные, своей элегантностью и точностью походили на научные модели и формы машин.
«Анти-искусство» практиковали анархичные дадаисты, что стало не менее серьезным отходом от традиций. Сюда можно отнести «ассамблажи», которые создаются из разного рода хлама или первого попавшегося под руку предмета. На протяжении последних десятилетий опять начали появляться старые изобретения дадаистов, сделанные ради забавы, уже довольно серьезно. Как пример можно привести писсуар дадаиста Марсела Дюшана. Он утверждал, что этот предмет стал произведением искусства благодаря одному его выбору.
Художественная революция, которая началась в 1914 году, сделала более раскрепощенными приверженцев всех направлений и стилей. Хотя в ХХ веке продолжалось создание реальных образов, страх перед примитивизацией формы и ее искажением исчез. Это направление, которое стало называться экспрессионизмом, проявилось в работах Альберто Джакометти (1901-1966). Его фигурки очень тонки и несут скрытую вину и тревогу.
Вся скандальная новизна материалов и идей исчезла после того, как в 1945 году модернистская скульптура стала признаваться. Можно выделить такое течение, как изготовление из отдельных деталей одной металлической, а главное абстрактной, конструкции. Американец Дэвид Смит, который до этого был сварщиком, стал первопроходцем в этом направлении. Некоторые из работ он раскрашивал. Его последователем в 1960 годах стал английский скульптор по металлу Энтони Кэро.
Самым известным течением в искусстве 1950-х годов стал «поп-арт». Хотя оно признавалось модернистским, возносило не технические устройство, а культуру, культуру потребления. К этому направлению относятся работы Джаспера Джонса, его бронзовые пивные банки, а также Класа Ольденбурга, с его рожками мороженого и огромными ваниловыми гамбургерами.
Так можно сделать вывод, что традиционные формы скульптуры и живописи в последнее время теряют свою актуальность. Но вспоминая фурор, который произвели в 1990-х годах Дэмьеном Херстом с его трупами животных в сосудах с формальдегидом, понимаешь, что нас еще ждут шокирующие художественные открытия.
Скульптура ХХI века
Современная скульптура создается, чтобы удивлять и в очередной раз менять наше представление об искусстве. Микеланджело XXI века должен уметь обманывать гравитацию, открывать другие биологические законы, придумывать новые цвета и вдохновлять нас на смелые мечты.
Искусство скульптуры больше не ограничивается традиционными скульптурными концепциями, материалами или методами производства. Оно больше не исключительно репрезентативно, но часто полностью абстрактно.
И при этом, скульптура не является исключительно твердой и статичной: ее частью может быть пустое пространство, она также может быть кинетической и способной к движению. Наконец, помимо того, что она может быть вырезана или смоделирована, она может быть также собрана, склеена, спроецирована (голографически) или построена различными способами. В результате традиционное значение и определение скульптуры больше не применяются.
Разнообразие пластического искусства XXI века оставило нам только одну определяющую характеристику: трехмерность. Таким образом, текущее определение скульптуры выглядит примерно так:
«Скульптура – единственная ветвь изобразительного искусства, которая специально связана с выразительной трехмерной формой».